Gilgamesh is the semi-mythical king of Uruk in Mesopotamia best known from the Epic of Gilgamesh (written c. 2150 - 1400 BC)

Gilgamesh is the semi-mythical king of Uruk in Mesopotamia best known from the Epic of Gilgamesh (written c. 2150 - 1400 BC)

The great Sumerian/Babylonian poetic work that predates the writing of Homer by 1500 years and therefore stands as the oldest work of epic world literature.

It narrates the adventures of King Gilgamesh of Uruk, a semi-mythical character who seeks immortality and wisdom.

The epic is composed of twelve clay tablets that were discovered in several excavations in the region of ancient Mesopotamia. It addresses a variety of universal themes, such as the search for the meaning of life, mortality, friendship, and the power of the gods. Gilgamesh's journey includes encounters with deities, battles with monsters, and a tireless quest for immortality.

In addition to its historical and literary importance, the "Epic of Gilgamesh" also provides valuable insights into the culture, religion, and worldview of the ancient Mesopotamians. Its influence can be seen in many other ancient and modern literary works, making it a cornerstone of the world's literary tradition.

Through the adventures of Gilgamesh, we explore universal themes of the quest for immortality, friendship, power, and the inevitability of mortality, connecting deeply with the ancient roots of epic storytelling.

#edisonmariotti @edison

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Gilgamesh é o rei semi-mítico de Uruk na Mesopotâmia mais conhecido pela Epopeia de Gilgamesh (escrita c. 2150 - 1400 a.C.) 

A grande obra poética suméria/babilônica que antecede a escrita de Homer por 1500 anos e, portanto, se destaca como a obra mais antiga da literatura mundial épica.

Ela narra as aventuras do rei Gilgamesh de Uruk, um personagem semi-mítico que busca imortalidade e sabedoria.

A epopeia é composta por doze tábuas de argila que foram descobertas em várias escavações na região da antiga Mesopotâmia. Ela aborda uma variedade de temas universais, como a busca pelo significado da vida, a mortalidade, a amizade e o poder dos deuses. A jornada de Gilgamesh inclui encontros com divindades, batalhas com monstros e uma busca incansável pela imortalidade.

Além de sua importância histórica e literária, a "Epopeia de Gilgamesh" também fornece insights valiosos sobre a cultura, religião e visão de mundo dos antigos mesopotâmicos. Sua influência pode ser vista em muitas outras obras literárias antigas e modernas, tornando-a uma pedra angular da tradição literária mundial.

Através das aventuras de Gilgamesh, exploramos temas universais de busca por imortalidade, amizade, poder e a inevitabilidade da mortalidade, conectando-nos de maneira profunda com as raízes ancestrais da narrativa épica.

The "Winged Sphinx" is a remarkable archaeological piece that dates back to the 9th and 8th centuries BC and belongs to the Phoenician civilization.

The "Winged Sphinx" is a remarkable archaeological piece that dates back to the 9th and 8th centuries BC and belongs to the Phoenician civilization. 

Phoenician art lacks unique characteristics that might distinguish it from its contemporaries. 

This artifact, found at Fort Shalmaneser in Nimrud (ancient Kalhu) in northern Iraq, is a stunning testament to the richness and artistic sophistication of this ancient culture.

Sphinxes, mythological creatures with the body of a lion and the head of a human (or other animal), were common in the art and mythology of several ancient cultures, including the Phoenician. However, this winged Phoenician sphinx is particularly notable for its unique combination of cultural and artistic elements.

This is due to its being highly influenced by foreign artistic cultures: primarily Egypt, Greece and Assyria. 

The presence of wings on this Phoenician sphinx can be interpreted in several ways, often associated with the idea of divinity, power or protection. The technical skill required to create such an intricate and durable piece is testament to the mastery of the Phoenician artisans of the time.

In addition to its aesthetic and historical importance, this sculpture offers valuable insights into the beliefs, values, and iconography of the ancient Phoenician civilization. Its discovery at Fort Shalmaneser highlights the region's importance in the cultural and commercial interconnection of the Near East during antiquity, and its preservation serves as a tangible reminder of the rich cultural legacy of these ancient civilizations.

Phoenicians who were taught on the banks of the Nile and the Euphrates gained a wide artistic experience and finally came to create their own art, which was an amalgam of foreign models and perspectives.

#edisonmariotti @edison

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A “Esfinge Alada” é uma notável peça arqueológica que remonta aos séculos IX e VIII a.C. e pertence à civilização fenícia.

A arte fenícia carece de características únicas que a possam distinguir dos seus contemporâneos.

Este artefato, encontrado no Forte Shalmaneser em Nimrud (antiga Kalhu), no norte do Iraque, é um testemunho impressionante da riqueza e sofisticação artística desta cultura antiga.

Esfinges, criaturas mitológicas com corpo de leão e cabeça de humano (ou outro animal), eram comuns na arte e na mitologia de várias culturas antigas, incluindo a fenícia. No entanto, esta esfinge fenícia alada é particularmente notável pela sua combinação única de elementos culturais e artísticos.

Isto se deve ao fato de ser altamente influenciado por culturas artísticas estrangeiras: principalmente Egito, Grécia e Assíria.

A presença de asas nesta esfinge fenícia pode ser interpretada de diversas maneiras, muitas vezes associadas à ideia de divindade, poder ou proteção. A habilidade técnica necessária para criar uma peça tão complexa e durável é uma prova da mestria dos artesãos fenícios da época.

Além de sua importância estética e histórica, esta escultura oferece informações valiosas sobre as crenças, valores e iconografia da antiga civilização fenícia. A sua descoberta em Fort Shalmaneser destaca a importância da região na interligação cultural e comercial do Próximo Oriente durante a antiguidade, e a sua preservação serve como uma lembrança tangível do rico legado cultural destas civilizações antigas.

Os fenícios que foram ensinados nas margens do Nilo e do Eufrates adquiriram uma ampla experiência artística e finalmente criaram a sua própria arte, que era um amálgama de modelos e perspectivas estrangeiras.

Jean Maurice Eugène Clément Cocteau, was a French poet, novelist, filmmaker, designer, playwright, actor, and theater director.

Jean Maurice Eugène Clément Cocteau, was a French poet, novelist, filmmaker, designer, playwright, actor, and theater director.

Cocteau began writing at the age of ten and at sixteen he published his first poems, a year after leaving the family home. Despite distinguishing himself in virtually every literary and artistic field, Cocteau insisted that he was fundamentally a poet and that all of his work was poetry.

In 1908, at the age of nineteen, he published his first book of poetry, La lampe d'Aladin. His second book, Le prince frivole ("The frivolous prince"), published the following year, would give rise to the nickname he had in Bohemian circles and in the artistic circles that he began to frequent and in which he quickly became known.

Around this time he met the writers Marcel Proust, André Gide, and Maurice Barrès. Edith Wharton described him as a man "to whom every great verse was a sunrise, every sunset the foundation for the Celestial City..."

During the First World War, Cocteau served with the Red Cross as an ambulance driver. During this period he met the poet Guillaume Apollinaire, the painters Pablo Picasso and Amedeo Modigliani and numerous other writers and artists with whom he would later collaborate.

Russian ballet impresario Sergei Diaghilev challenged Cocteau to write a scenario for a new ballet - "It surprises me", Diaghilev was quoted as saying. The result was Parade, which would be produced by Diaghilev in 1917, with scenography by Picasso and music by Erik Satie. (Maisons-Lafitte, July 5, 1889 — Milly-la-Forêt, October 11, 1963)

Together with other Surrealists of his generation (Jean Anouilh and René Char, for example), Cocteau managed to masterfully combine the new and old verbal codes, staging language and technologies of modernism to create a paradox: a classic avant-garde. His circle of associates, friends and lovers included Jean Marais, Henri Bernstein, Édith Piaf and Raymond Radiguet.

His plays were taken to the stages of the Grand Theatres, on the Boulevards of the Parisian era in which he lived and which he helped define and create. His versatile, unconventional approach and enormous productivity brought him international fame.

He was elected member of the French Academy in 1955.

Cocteau made seven films and collaborated as a screenwriter and narrator in a few more. All rich in symbolism and surreal images. He is considered one of the most important filmmakers of all time.

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Jean Maurice Eugène Clément Cocteau, foi um poeta, romancista, cineasta, designer, dramaturgo, ator, e encenador de teatro francês. 

Cocteau começou a escrever aos dez anos e aos dezasseis já publicava suas primeiras poesias, um ano depois de abandonar a casa familiar. Apesar de se distinguir em virtualmente todos os campos literários e artísticos, Cocteau insistia que era fundamentalmente um poeta e que toda a sua obra era poesia. 

Em 1908, com dezanove anos, publicou o seu primeiro livro de poesia, La lampe d'Aladin. O seu segundo livro, Le prince frivole ("O princípe frívolo")), editado no ano seguinte, daria origem à alcunha que tinha nos meios Boémios e nos círculos artísticos que começou a frequentar e em que rapidamente ficou conhecido. 

Por esta altura conheceu os escritores Marcel Proust, André Gide, e Maurice Barrès. Edith Wharton descreveu-o como um homem "para quem todos os grandes versos eram um nascer-do-sol, todos os por-do-sol a fundação para a Cidade Celestial…"

Durante a Primeira Guerra Mundial, Cocteau prestou serviço na Cruz Vermelha como condutor de ambulâncias. Neste período conheceu o poeta Guillaume Apollinaire, os pintores Pablo Picasso e Amedeo Modigliani e numerosos outros escritores e artistas com quem mais tarde viria a colaborar. 

O empresário russo de ballet, Sergei Diaghilev, desafiou Cocteau a escrever um cenário para um novo bailado - "Surpreende-me", teria dito Diaghilev. O resultado foi Parade, que seria produzido por Diaghilev em 1917, com cenografia de Picasso e música de Erik Satie. (Maisons-Lafitte, 5 de julho de 1889 — Milly-la-Forêt, 11 de outubro de 1963) 

Em conjunto com outros Surrealistas da sua geração (Jean Anouilh e René Char, por exemplo), Cocteau conseguiu conjugar com mestria os novos e velhos códigos verbais, linguagem de encenação e tecnologias do modernismo para criar um paradoxo: um avant-garde clássico. O seu círculo de associados, amigos e amantes incluiu Jean Marais, Henri Bernstein, Édith Piaf e Raymond Radiguet.

As suas peças foram levadas aos palcos dos Grandes Teatros, nos Boulevards da época parisiense em que ele viveu e que ajudou a definir e criar. A sua abordagem versátil e nada convencional e a sua enorme produtividade trouxeram-lhe fama internacional.

Foi eleito membro da Academia Francesa em 1955.

Cocteau realizou sete filmes e colaborou enquanto argumentista, narrador em mais alguns. Todos ricos em simbolismos e imagens surreais. É considerado um dos mais importantes cineastas de todos os tempos.

Avant-Garde - Artistic Movement.

Avant-Garde - Artistic Movement.

The vanguard (from the French avant-garde) literally means the advance guard or the front part of an army. Its metaphorical use dates back to the beginning of the 20th century, referring to sectors of greater pioneering, awareness or combativeness within a given social, political, scientific or artistic movement. In the arts, the avant-garde disrupts pre-established models, defending anti-traditional forms of art and the new on the frontiers of experimentalism.

Several writers have attempted, with limited success, to map the parameters of avant-garde activity. The Italian essayist Renato Poggioli provides one of the best-known analyzes of avant-garde as a cultural phenomenon in his 1962 book, Theory dell'arte d'Avanguardia (Theory of Avant-Garde Art). Surveying historical, social, psychological and philosophical aspects of avant-garde, Poggioli goes beyond individual instances of art, poetry and music to show that avant-gardists can share certain ideals and values that manifest themselves in the adoption of a non-conformist lifestyle. He sees avant-garde culture as a variety or subcategory of bohemia.

Other authors have sought to both clarify and expand Poggioli's study. Literary critic Peter Bürger wrote Theory of the Avant-Garde (1974) looking at the Establishment's embrace of socially critical works of art and suggests that, in complicity with capitalism, "art as an institution neutralizes the political content of individual work".

Bürger's essay also influenced the work of historians of contemporary American art such as the German Benjamin H.D. Buchloh (born 1941), while older critics such as Bürger continue to see the post-war neo-avant-garde as an empty recycling of the forms and strategies of the first two decades of the 20th century. Others, such as Clement Greenberg (1909-1994), saw it more positively, as a new articulation of the specific conditions of cultural production in the post-war period. Buchloh, in the collection of essays The neo-avantgarde and the Cultural Industry, (2000) critically argues a dialectical approach to these positions. Later criticism has theorized the limitations of these approaches, noting their circumscribed areas of analysis, including Eurocentrism, machismo, and specific definitions of gender.

According to researcher Otília Arantes, the Brazilian avant-garde went through three different moments: the modernity of the 20s and 30s, the concretism and neoconcretism of the 50s and the production of the 60s. The exhibitions "Opinião 65", "Propostas 65", " New Brazilian Objectivity" and "Do corpo à terra" formalized the possibility of experimental art through debate, with works and text.

Hélio Oiticica seeks to define a specificity for the Brazilian avant-garde, placing it in the wake of the "New Objectivity" exhibition. From then on, he claims, the structure of the work changed (it is no longer "painting" or "sculpture") to "environmental orders".

In Why the Brazilian avant-garde is carioca, from 1966, Frederico Morais already defends the idea of a constructive vocation for Brazilian art and also places architecture and the concrete movement as an example of this. The concrete movement contributed to a characterization of Brazilian culture, however, it was more linked to industrialization, since the works of this period were extremely rational and mathematical.

image: Avant-Garde - Mikhail Larionov - 1915

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Wikipedia: https://pt.wikipedia.org/wiki/Vanguarda

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Avant-Garde - Movimento Artístico.

A vanguarda (do francês avant-garde) significa, literalmente, a guarda avançada ou a parte frontal de um exército. Seu uso metafórico data de inícios do século XX, se referindo a setores de maior pioneirismo, consciência ou combatividade dentro de um determinado movimento social, político, científico ou artístico. Nas artes, a vanguarda produz a ruptura de modelos preestabelecidos, defendendo formas antitradicionais de arte e o novo nas fronteiras do experimentalismo.

Vários escritores têm tentado, com sucesso limitado, mapear os parâmetros da atividade avant-garde. O ensaísta italiano Renato Poggioli proporciona uma das mais conhecidas análises de vanguardismo como um fenômeno cultural em seu livro de 1962, Teoria dell'arte d'Avanguardia (Teoria da arte de vanguarda). Levantando aspectos históricos, sociais, psicológicos e filosóficos do vanguardismo, Poggioli ultrapassa instâncias individuais da arte, poesia e música para mostrar que os vanguardistas podem compartilhar certos ideais e valores que se manifestam na adoção de um estilo de vida não conformista. Ele vê a cultura de vanguarda como uma variedade ou subcategoria de boêmia.

Outros autores têm procurado tanto esclarecer quanto ampliar o estudo de Poggioli. O crítico literário Peter Bürger escreveu Teoria do Avant-Garde (1974) olhando para a adesão do Establishment às obras de arte socialmente críticas e sugere que, em cumplicidade com o capitalismo, "a arte como instituição neutraliza o conteúdo político do trabalho individual".

O ensaio de Bürger também influenciou o trabalho de historiadores da arte contemporânea americana como o alemão Benjamin H.D. Buchloh (nascido em 1941), enquanto os críticos mais antigos, como Bürger, continuam a ver o neo-avant-garde do pós-guerra como uma reciclagem vazia de formas e as estratégias das duas primeiras décadas do século XX. Outros, como Clement Greenberg (1909-1994), viram de forma mais positiva, como uma nova articulação das condições específicas da produção cultural no período do pós-guerra. Buchloh, na coletânea de ensaios O neo-avantgarde e a Indústria Cultural, (2000) argumenta criticamente uma abordagem dialética para essas posições. A crítica posterior teorizou as limitações dessas abordagens, observando suas áreas circunscritas de análise, incluindo o eurocentrismo, machismo e definições específicas de gênero.

Segundo a pesquisadora Otília Arantes, a vanguarda brasileira atravessou três momentos diferentes: a modernidade dos anos 20 e 30, o concretismo e o neoconcretismo dos anos 50 e a produção dos anos 60. As exposições "Opinião 65", "Propostas 65", "Nova Objetividade brasileira" e "Do corpo à terra" formalizaram a possibilidade de uma arte experimental através do debate, com obras e texto.

Hélio Oiticica busca definir uma especificidade para a vanguarda brasileira, situando-a na esteira da exposição da "Nova Objetividade". A partir daí, afirma, a estrutura da obra mudou (não é mais "pintura" ou "escultura") para "ordens ambientais".

Em Por que a vanguarda brasileira é carioca, de 1966, Frederico Morais já defende a ideia de uma vocação construtiva para a arte brasileira e também coloca a arquitetura e o movimento concreto como exemplo desta. O movimento concreto colaborou para uma caracterização da cultura brasileira, porém, era mais ligado à industrialização, já que as obras deste período eram extremamente racionais e matemáticas.

image: Avant-Garde - Mikhail Larionov - 1915

"Kouros of Miletus" - archaic sculpture of a young male nude, dating from the 6th century BC.

"Kouros of Miletus" - archaic sculpture of a young male nude, dating from the 6th century BC.

It exemplifies the aesthetics and ideals of ancient Greek art common in Archaic Greece in sanctuaries or cemeteries.

It is a classic representation of the ideal of beauty and physical perfection of male youth in Ancient Greece. The sculpture presents a young man with harmonious proportions, well-defined muscles and a rigid, hieratic pose. His facial expression is serene and impassive, reflecting the idealized conception of the Greek hero or athlete.

The style is marked by the influence of Egypt and Mesopotamia, as well as a concern to represent the human body in an idealized and symmetrical way. The sculpture is carved from marble, which highlights the artist's technical skill in working with this challenging material.

In addition to its aesthetic importance, it also has cultural and religious significance. Like many sculptures of this type, it probably served as a votive representation of a young man who had reached maturity, or as a tribute to a deceased hero or athlete. Its presence in sanctuaries and places of worship suggests an association with religious rituals and practices of veneration of the gods.

It is an emblematic piece, which illustrates the ideals of beauty, perfection and youth that were valued in ancient Greek culture. His influence can be seen in many other later Greek sculptures and artworks, and his presence continues to fascinate and inspire art admirers to this day.

source: The Kroisos Kouros, in Parian marble, found in Anavyssos (Greece), dating from circa 530 BC, now exhibited at the National Archaeological Museum of Athens.

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"Kouros de Mileto" - escultura arcaica de um jovem masculino nua, datada do século VI a.C. 

Exemplifica a estética e os ideais da arte grega antiga comuns na Grécia Arcaica em santuários ou cemitérios.

É uma representação clássica do ideal de beleza e perfeição física da juventude masculina na Grécia Antiga. A escultura apresenta um jovem com proporções harmoniosas, musculatura bem definida e uma pose rígida e hierática. Sua expressão facial é serena e impassível, refletindo a concepção idealizada do herói ou atleta grego.

O estilo é, marcado pela influência do Egito e da Mesopotâmia, bem como por uma preocupação em representar o corpo humano de maneira idealizada e simétrica. A escultura é esculpida em mármore, o que evidencia a habilidade técnica do artista em trabalhar com este material desafiador.

Além de sua importância estética, também tem significado cultural e religioso. Como muitas esculturas desse tipo, ele provavelmente servia como uma representação votiva de um jovem que havia alcançado a maturidade, ou como um tributo a um herói ou atleta falecido. Sua presença em santuários e locais de culto sugere uma associação com rituais religiosos e práticas de veneração aos deuses.

É uma peça emblemática, que ilustra os ideais de beleza, perfeição e juventude que eram valorizados na cultura grega antiga. Sua influência pode ser vista em muitas outras esculturas e obras de arte gregas posteriores, e sua presença continua a fascinar e inspirar admiradores da arte até os dias de hoje.