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segunda-feira, 22 de maio de 2017

Lei estadual reconhece humor do Ceará, Brasil, como patrimônio imaterial.

Chico Anysio, Renato Aragão e Tom Cavalcante têm em comum o fato de serem humoristas consagrados no Brasil. Não por acaso, os três são nascidos no Ceará, estado onde o humor, por meio de lei estadual sancionada semana passada, passou a ser considerado um bem cultural de natureza imaterial.


A esse trio de artistas, segue uma lista extensa de outros nomes do humor cearense, entre eles Falcão, Tiririca, Rossicléa, Adamastor Pitaco e, mais recentemente, Edmilson Filho, que ficou nacionalmente conhecido nos últimos anos ao protagonizar os filmes Cine Holliúdy (2012) e Shaolin do Sertão (2016).

A história antiga e recente do humor estão expostas de diversas formas no Museu do Humor, localizado em Fortaleza. “Este é um museu vivo, pois está sempre se renovando. A história do humor nunca acaba”, disse o historiador e humorista Jader Soares, que interpreta o personagem Zebrinha. No escritório do museu, estão peças utilizadas em Cine Holliúdy 2, que só serão expostas após o lançamento do filme.

Origem do humor

De sua autoria, o livro Paula Nei: o primeiro humorista brasileiro (2015) afirma que este cearense, natural de Aracati, foi a primeira pessoa a fazer humor no país, especialmente no Rio de Janeiro, para onde se mudou aos 17 anos.

Um dos notórios causos contados no livro revela que Nei, então estudante de medicina, respondia uma prova de anatomia. O professor, já sabendo que as respostas não teriam nada a ver com o conteúdo correto, perguntou: “Diga-me, ao menos, senhor Nei, quantos ossos têm o crânio de um homem?” O estudante respondeu: “Não me recordo, professor, mas tenho-os todos aqui na cabeça.”

Logo na entrada do museu, uma representação da Praça do Ferreira, com seus bancos, a Coluna da Hora e o Cajueiro da Mentira (que já não existe mais) informam que lá foi um centro efervescente de humor e cultura no começo do século XX.

Há também o desenho de um sol alaranjado que reconta o dia em que o povo vaiou a grande estrela, decepcionados com a falta de chuva. O fato ocorreu em 1942 e foi repercutido em 2012, nos 70 anos da história, com um concurso promovido pelo museu, que oferecia um troféu àquele que desse a melhor vaia.

Há ainda uma réplica do bode Ioiô, um animal que passeava pela praça e era querido por todos – tanto que os escritores e boêmios que frequentavam o espaço resolveram tornar o bode candidato a vereador.

Seu cabo eleitoral era Quintino Cunha, outro precursor do humor cearense, que acolhia o animal em sua casa, no centro de Fortaleza. O bode Ioiô original, empalhado depois de morto, está exposto no Museu do Ceará.

Chico Anysio

Duas salas expõem a memória de Chico Anysio e de seus 209 personagens, em especial o Professor Raimundo. Uma das salas exibe o jaleco, a peruca e o bigode usado pelo artista nas gravações do programa Escolinha do Professor Raimundo. Em outra está exposta a urna funerária onde as cinzas de Chico foram transportadas.

“Chico Anysio dizia que, por conta do sofrimento, o humor era o jeito de o cearense extravasar. Não sei se é isso. Acho que o brasileiro, de forma geral, é muito alegre. O nordestino é muito gaiato e o cearense consegue colocar essa alegria no palco. Todo mundo conta piada no bar, mas, na hora de subir num palco para fazer isso, o cearense é quem melhor faz. Nós influenciamos outros estados”, afirmou Soares.

O Museu do Humor funciona de segunda a sábado, entre 13h e20h e conta com um teatro, batizado de Chico Anysio. Semanalmente, nas noites de sexta-feira, o palco é tomado pelas apresentações de diferentes humoristas cearenses.







Cultura não é o que entra pelos olhos e ouvidos,
mas o que modifica o jeito de olhar e ouvir. 
A cultura e o amor devem estar juntos.

Vamos compartilhar.

Culture is not what enters the eyes and ears, 
but what modifies the way of looking and hearing.

Joslyn Art Museum's European collection reopens with a fresh look and a cleaner narrative. --- A coleção européia do Museu de Arte Joslyn se reabre com um olhar fresco e uma narrativa mais limpa.

The galleries had grown tired, and the story confused.

Some new additions to the Joslyn Art Museum's European
collection can be enjoyed now that the renovation of the European galleries is complete. 




For the Joslyn Art Museum’s European collection — which reopens today after three months of renovations — it was time for a reboot.

The five galleries that hold the 100-plus priceless objects (including one Rembrandt) hadn’t been updated since 2000. Some of the new upgrades are cosmetic: a fresh coat of paint, refinished floors, installation of temporary, movable walls. But the changes run much deeper.

In revamping the collection, the museum — which each year hosts about 180,000 visitors — has restored narrative continuity to hundreds of years of art history. Now, visitors walking through the five galleries are told a complete, chronological story. A story that begins with medieval, Renaissance and Baroque artists and winds through the 18th and 19th century works of French and British painters to conclude with impressionism and the beginnings of modernism.

Over the years the collection had lost track of its story. This change happened incrementally.

“Things shift around,” said Toby Jurovics, chief curator. “You might make an acquisition, something gets knocked off the wall for something else. And at a certain point you kind of lost that thread.”

Jack Becker, the museum’s executive director and CEO, said they realized years ago they needed to rediscover that thread.

“This was something we wanted to do for a long time,” he said. But the galleries “needed a fresh approach. Dana was the right person to do it.”

Dana is Dana Cowen, who came to the Joslyn from the Cleveland Museum of Art in February 2015. One of her chief roles as the associate curator of European art was the collection’s reinstallation.

“My goal was to first figure out how to hang everything so that it followed a narrative,” she said. “So that it was easy for people to understand that artwork comes from a certain context and that it’s not created in a vacuum. That artists are influenced by one another.”

For more than two years Cowen has been researching every item in the collection (and many in storage) and working to refine the overall picture the pictures present.

On her office wall, Cowen has floor plans representing each of the five galleries and images of every painting and statue in the collection. Cowen spent countless hours mixing and matching and finding the ideal order for the objects.

“Dana could pretty much write a book on every painting in the collection,” Jurovics said.

Which made paring down the labels to 120 words or less a sometimes painful process. Cowen had to dice the windy descriptions on previous labels into something more digestible and appealing to folks who don’t know much about art history — to “say a lot with a little.”

Preparing for the installation, the Joslyn held visitor engagement focus groups and surveys, asking participants to assess the layout of the galleries, the quality of the information, the desirability of integrating technology into the space.

Ages and responses of the survey participants ran the gamut, Cowen said. Younger people surveyed wanted greater accessibility. They wanted information to be presented more quickly and less esoterically. Handy little labels with bullet-pointed info instead of verbose introductory panels.

Also in response to the feedback, the makeover will incorporate tech applications for individual items, a first for the museum. Three objects will come with interactive iPad stations that reveal further layers of the work. One is the collection’s star: Rembrandt van Rijn’s “Portrait of Dirck van Os,” a piece discovered in storage a few years ago.

The iPad station will focus on the painting’s journey, how it came into the collection and was later found to be the work of one of the most important artists ever.

The interactive, Cowen said, will show “how all objects that come into the museum have lives and how they change over time.”

The tech initiatives, which could ripple through other areas of the Joslyn, are a way to entice the modern museumgoer. “One of the things that every museum is now very cautious of is how people digest information,” Jurovics said.

The museum also knows this: Time and attention are in shorter supply these days, and the museum needs to stay competitive for each. The big question, said executive director Becker: Why should you care about the Joslyn Art Museum?

“Why are we relevant?” he said. “We think about this a lot, about how to increase relevance and reach.”

Things like free admission help the museum’s attendance. Things like reinstallations. Things like letting visitors know they are welcome.

“Art museums by nature are intimidating places,” Becker said. “We try every day to ensure we’re not.”






Cultura não é o que entra pelos olhos e ouvidos,
mas o que modifica o jeito de olhar e ouvir. 
A cultura e o amor devem estar juntos.

Vamos compartilhar.

Culture is not what enters the eyes and ears, 
but what modifies the way of looking and hearing.





--br via tradutor do google
A coleção européia do Museu de Arte Joslyn se reabre com um olhar fresco e uma narrativa mais limpa.

As galerias cresceram e a história ficou confusa.

Para a coleção européia do Museu de Arte Joslyn - que reabre hoje após três meses de reformas - era hora de uma reinicialização.

As cinco galerias que possuem mais de 100 objetos valiosos (incluindo um Rembrandt) não foram atualizadas desde 2000. Algumas das novas atualizações são cosméticas: uma camada fresca de tinta, pisos refinados, instalação de paredes móveis temporárias. Mas as mudanças correm muito mais fundo.

Ao renovar a coleção, o museu - que anualmente abriga cerca de 180 mil visitantes - restaurou a continuidade narrativa de centenas de anos de história da arte. Agora, os visitantes que atravessam as cinco galerias recebem uma história cronológica completa. Uma história que começa com artistas e ventos medievais, renacentistas e barrocos através das obras dos pintores franceses e britânicos dos 18 e 19 de século para concluir com o impressionismo e os começos do modernismo.

Ao longo dos anos, a coleção perdeu a noção de sua história. Essa mudança aconteceu de forma incremental.

"As coisas mudam", disse Toby Jurovics, curador chefe. "Você pode fazer uma aquisição, algo é derrubado da parede para outra coisa. E, em certo ponto, você perdeu esse fio.

Jack Becker, diretor executivo e diretor executivo do museu, disse que percebeu que há anos que precisava redescobrir esse fio.

"Isso era algo que queríamos fazer por um longo tempo", disse ele. Mas as galerias "precisavam de uma nova abordagem. Dana era a pessoa certa para fazê-lo. "

Dana é Dana Cowen, que veio ao Joslyn do Museu de Arte de Cleveland em fevereiro de 2015. Um dos seus principais papéis como curador associado da arte européia foi a reinstalação da coleção.

"Meu objetivo era primeiro descobrir como pendurar tudo para que ele seguisse uma narrativa", disse ela. "Então, foi fácil para as pessoas entenderem que a obra vem de um determinado contexto e que não é criada no vácuo. Que os artistas são influenciados um pelo outro ".

Por mais de dois anos Cowen tem pesquisado cada item na coleção (e muitos em armazenamento) e trabalhando para refinar a imagem geral das fotos presentes.

Na parede do escritório, Cowen tem planos de chão representando cada uma das cinco galerias e imagens de cada pintura e estátua da coleção. Cowen passou inúmeras horas misturando e combinando e encontrando a ordem ideal para os objetos.

"Dana poderia muito bem escrever um livro sobre cada pintura na coleção", disse Jurovics.

O que reduziu os rótulos para 120 palavras ou menos, um processo às vezes doloroso. Cowen teve que cortar as descrições ventosas em rótulos anteriores em algo mais digerível e atraente para pessoas que não sabem muito sobre a história da arte - "dizer muito com um pouco".

Preparando-se para a instalação, o Joslyn realizou grupos focais de envolvimento de visitantes e pesquisas, perguntando aos participantes para avaliar o layout das galerias, a qualidade da informação, a conveniência de integrar a tecnologia no espaço.

A idade e as respostas dos participantes da pesquisa correu completamente, disse Cowen. As pessoas mais jovens pesquisadas queriam maior acessibilidade. Eles queriam que a informação fosse apresentada mais rapidamente e menos esotericamente. Handy rótulos com informações marcadas com bala em vez de painéis introdutórios detalhados.

Também em resposta ao feedback, a reforma incorporará aplicativos de tecnologia para itens individuais, um primeiro para o museu. Três objetos virão com estações de iPad interativas que revelam outras camadas do trabalho. Uma é a estrela da coleção: o "Retrato de Dirck van Os" de Rembrandt van Rijn, uma peça descoberta em armazenamento há alguns anos atrás.

A estação do iPad se concentrará na jornada da pintura, como ela entrou na coleção e mais tarde foi encontrada como o trabalho de um dos artistas mais importantes de todos os tempos.

O interativo, Cowen disse, mostrará "como todos os objetos que entram no museu têm vidas e como eles mudam ao longo do tempo".

As iniciativas tecnológicas, que poderiam atravessar outras áreas do Joslyn, são uma forma de seduzir o museu moderno. "Uma das coisas que cada museu agora é muito cautelosa é como as pessoas digerem informações", disse Jurovics.


O museu também sabe disso: o tempo ea atenção estão em oferta mais curta atualmente, e o museu precisa se manter competitivo para cada um. A grande questão, disse o diretor executivo Becker: Por que você deveria se preocupar com o Joslyn Art Museum?

"Por que somos relevantes?", Ele disse. "Nós pensamos muito sobre isso, sobre como aumentar a relevância e alcance".

Coisas como admissão gratuita ajudam o atendimento do museu. Coisas como reinstalações. Coisas como informar os visitantes de que são bem-vindos.

"Os museus de arte por natureza são lugares intimidantes", disse Becker. "Nós tentamos todos os dias para garantir que não estamos".

Micah.mertes@owh.com, 402-444-3182, twitter.com/micahmertes

Feast of Divino Espirito Santo unites Azorean faith and tradition in São José, Florianópolis, Santa Catarina, Brazil. --- Festa do Divino Espirito Santo une fé e tradição açoriana em São José, Florianópolis, Santa Catarina, Brasil.

Community of Portuguese origin decorates the streets and houses of the Historic Center and strives to keep alive one of the most important cultural and religious manifestations of the State

Carrying the red flag with the religious symbols of the Holy Trinity fills the retired João Arcanjo dos Santos, 86 years of pride. Açoriano de sangre, raised in São José, in Greater Florianópolis, he participates in the celebrations of the Divine Holy Spirit, of the Catholic Church, 40 years ago. "Always bringing faith and hope to the houses visited. The flag is a source of inspiration, it completes the soul, fills our hearts, "he says.

João Arcanjo dos Santos walks the streets of the neighborhood
next to the Imperial Family and the fellow Bandeirantes do Divino - Flávio Tin / ND

The dream of childhood, to participate in the courtship of the Divine as a bandeireiro, his little one, as it is known, took place in 1984. In that year, a friend who would carry the symbol became ill and the responsibility was passed on to the retiree. "I was sad for her, but I accepted at the time because I dreamed a lot with this moment and realized it in life. Every year I carry the flag, I go from house to house, I go up and down hill in the greatest happiness, "he says.

The tradition of the Feast of the Divine Espirito Santo arrived in the municipality with the 182 couples brought from the Archipelago of the Azores, at the time of colonization. In the Historical Center the houses are decorated every year, just after Easter Sunday. They are colorful ribbons and miniatures of the traditional Flag of Espirito Santo. Every year, a set of 19 red flags cross the Portuguese house to call the community for the festivities. "This year we changed their fabric again. They were decorated by hand with paintings of the white dove of the Holy Spirit. Many people helped paint, "says retired Maria Luci dos Santos Gerlach, 75.

The mission of the Imperial Family

Recognized as Intangible Heritage of the Municipality, the 167th Feast of the Divine of St. Joseph begins next Saturday (27) and ends on Monday (29), in the Parish of St. Joseph, in the Historic Center. The Imperial Family chosen to organize the party this year was the councilor Caê Martins and his mother, Maria Helena de Souza Martins. Together, they promise to reinforce the symbol of the Divine: renewal and peace on earth.

"The festivities of the Divine involve every community because in addition to the event is very strong tradition passed by the Azoreans. As partygoers, we seek to motivate, organize everything and encourage people. We fought for support, we got help, but the important thing is to keep strong what this represents in our lives, which is light, peace, love and faith, "says the councilman.

The Feast of the Divine was born in 1826, with a promise from the Queen of Portugal that her husband and son would stop fighting. For her, a commoner would wear the royal crown once a year. Following tradition, in 1845, a crown was donated by the Royal Family to St. Joseph of the Terra Firme, old name of the city. Heavy and imposing, the object is passed, year after year, to the emperor of the feast and used during the procession.
A second heart is also used. It is much lighter, but not less imposing and was donated by a couple of Azoreans, who brought it direct from Portugal.

A sacred place for the Flag

It is in bed, under the neat sheet, that the flag of the Holy Spirit of Rosinha Apolónia Koerich, 73 years old, stays when she leaves home. Leaving it in the room where you sleep is a way to bless the environment. Açoriana of unwavering faith, she recognizes in the red cloth the great symbol of the devotion of the community. "There were many achievements thanks to him. I speak with the flag, with the objects that I have affection and symbolize my devotion. For me, it is present all the time and never leaves me, "he says. Before bed, she takes the mast and places it in the living room, in the blessed corner.

What is not lacking in the Azorean houses of Saint Joseph is the sacred place, especially set up for the Divine. In the house of Eliete Gerlach Rila, 70, the family, gathered for Sunday lunches, dedicates a few minutes in prayer to the Holy Spirit. "It is a force that floods with light, calms, welcomes us, is inexplicable. I always wanted to get involved in the event, I started last year and I'm in love, "he says.

In the door, window or table of the most traditional residences it is easy to find some item that refers to the festivities. The decor helps the locals get into the mood and wait for the day of the party. For the retired Veneranda Chaves, 71, it is important to highlight what the Divine is for the neighborhood. "We were so happy to participate, to take the flag, because it is a way of thanking everything that did for us", says.




fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti

Collaboration: BRUNELA MARIA, SÃO JOSÉ


Cultura não é o que entra pelos olhos e ouvidos,
mas o que modifica o jeito de olhar e ouvir. 
A cultura e o amor devem estar juntos.

Vamos compartilhar.

Culture is not what enters the eyes and ears, 
but what modifies the way of looking and hearing.





--br
Festa do Divino Espirito Santo une fé e tradição açoriana em São José, Florianópolis, Santa Catarina, Brasil.


Comunidade de origem portuguesa decora as ruas e casas do Centro Histórico e luta para manter viva uma das mais importantes manifestações culturais e religiosas do Estado



Carregar a bandeira vermelha com os símbolos religiosos da Santíssima Trindade enche de orgulho o aposentado João Arcanjo dos Santos, 86 anos. Açoriano de sangue, criado em São José, na Grande Florianópolis, ele participa das comemorações do Divino Espirito Santo, da Igreja Católica, há 40 anos. “Sempre levando fé e esperança às casas visitadas. A bandeira é fonte de inspiração, nos completa a alma, preenche os corações”, afirma.


João Arcanjo dos Santos percorre as ruas do bairro ao lado da Família Imperial 
e das colegas bandeireiras do Divino - Flávio Tin/ND


O sonho de infância, de participar do cortejo do Divino como bandeireiro, seu Joquinha, como é conhecido, realizou em 1984. Naquele ano, uma amiga que iria carregar o símbolo ficou doente e a responsabilidade foi repassada ao aposentado. “Fiquei triste por ela, mas aceitei na hora porque sonhei muito com esse momento e realizei em vida. Todos os anos carrego a bandeira, vou de casa em casa, subo e desço morro na maior felicidade”, comenta.

A tradição da Festa do Divino Espirito Santo chegou ao município com os 182 casais trazidos do Arquipélago dos Açores, na época da colonização. No Centro Histórico as casas são decoradas todos os anos, logo depois do domingo de Páscoa. São fitas coloridas e miniaturas da tradicional Bandeira do Espirito Santo. Todos os anos, um conjunto de 19 bandeiras vermelhas percorre o casario português para convocar a comunidade para os festejos. “Esse ano trocamos o tecido delas novamente. Elas foram decoradas à mão com pinturas da pomba branca do Espirito Santo. Muitas pessoas ajudaram a pintar”, diz a aposentada Maria Luci dos Santos Gerlach, 75 anos.

A missão da Família Imperial 

Reconhecida como Patrimônio Imaterial do Município, a 167a Festa do Divino de São José começa no próximo sábado (27) e termina na segunda-feira (29), na Paróquia de São José, no Centro Histórico. A Família Imperial escolhida para organizar a festa este ano foi a do vereador Caê Martins e sua mãe, Maria Helena de Souza Martins. Juntos, eles prometem reforçar o símbolo do Divino: renovação e paz na terra.

“Os festejos do Divino envolvem toda comunidade porque além do evento é muito forte a tradição repassada pelos açorianos. Como festeiros, buscamos motivar, organizar tudo e incentivar as pessoas. Batalhamos por apoio, obtivemos ajuda, mas o importante é manter forte o que isso representa em nossas vidas, que é luz, paz, amor e fé”, diz o vereador.

A Festa do Divino nasceu em 1826, com uma promessa da rainha de Portugal para que seu marido e filho parassem de brigar. Por ela, um plebeu usaria a coroa real uma vez por ano. Seguindo a tradição, em 1845, uma coroa foi doada pela Família Real à São José da Terra Firme, antigo nome da cidade. Pesado e imponente, o objeto é passado, ano após ano, ao imperador da festa e usado durante o cortejo.
Uma segunda cora também é usada. Ela é bem mais leve, mas não menos imponente e foi doada por um casal de açorianos, que a trouxe direto de Portugal.

Um lugar sagrado para a Bandeira 

É na cama, sob o lençol arrumado, que a bandeira do Divino Espírito Santo de Rosinha Apolônia Koerich, 73 anos, fica quando ela sai de casa. Deixar no quarto onde dorme é uma forma de abençoar o ambiente. Açoriana de fé inabalável, ela reconhece no pano vermelho o grande símbolo da devoção da comunidade. “Foram muitas conquistas graças a ele. Eu converso com a bandeira, com os objetos que tenho carinho e simbolizam minha devoção. Para mim, está presente o tempo todo e nunca me abandona”, salienta. Antes de dormir, ela pega o mastro e coloca na sala, no cantinho abençoado.

O que não falta nas casas açorianas de São José é o lugar sagrado, montado especialmente para o Divino. Na casa de Eliete Gerlach Rila, 70, a família, reunida para os almoços de domingo, destina uns minutos em oração ao Espírito Santo. “É uma força que inunda de luz, acalma, nos acolhe, é inexplicável. Sempre quis me envolver no evento, comecei ano passado e estou apaixonada”, comenta.

Na porta, janela ou mesa das residências mais tradicionais é fácil encontrar algum item que remete aos festejos. A decoração ajuda os moradores a entrar no clima e esperar o dia da festa. Para a aposentada Veneranda Chaves, 71, é importante destacar o que é o Divino para o bairro. “Ficamos tão felizes em participar, levar a bandeira, porque é uma forma de agradecer tudo que fez por nós”, diz.

domingo, 21 de maio de 2017

MUSEOS DE KENTUCKY (EEUU). · en CULTURA, MUSEO, OPINIÓN, PATRIMONIO, RELATO, VIAJES. ·

Con una economía basada en el whisky bourbon, las carreras de caballos y el tabaco, se podría pensar que Kentucky rivalizaría con Las Vegas como lugar de perdición (lo que pase en Kentucky, se queda en Kentucky). Bueno, sí y no. Para cada bar empapado de whisky de Louisville hay un condado bajo la ley seca, donde no podrás conseguir nada más fuerte que una cerveza de jengibre. Por cada hipódromo hay una iglesia; aquí si se puede decir que los caballos acampan por sus fueros.


Kentucky está hecho de estas yuxtaposiciones. Frente a su realidad geográfica y cultural, este estado combina la cordialidad del sur, la frontera rural de occidente, la industria del norte y el encanto aristocrático del oriente. Todo lo que hay por aquí atrapa el ojo, pero hay pocas vistas más hermosas que las colinas de piedra caliza del país del caballo, donde la cría del pura sangre es una industria multimillonaria. En primavera los pastos florecen con pequeñas flores azules, por eso el nombre de “Estado del Bluegrass (hierba azul)”.



El Frazier Historical Arms Museum abrió en mayo de 2004 con una gran fanfarria y ha sido una bendición para los amantes de las armas y armaduras en el bajo medio oeste y el sureste de Estados Unidos. Los locales ya no tienen que viajar a las grandes ciudades de los Estados Unidos o a los grandes museos de Europa para ver bellas armas y armaduras antiguas en persona. Louisville ahora cuenta con un museo en el Frazier, uno de los pocos museos de América del Norte dedicado exclusivamente a las armas y armaduras. Los muchos objetos expuestos en el Frazier provienen de dos fuentes diferentes. La colección permanente de Frazier es la colección personal del presidente de Frazier, Owsley Brown Frazier, y consta principalmente de armas de fuego de los siglos XVIII y XX de América del Norte. Ya sólo por estos artículos vale la pena el viaje, sobre todo para los amantes de las armas de fuego estadounidenses. Se incluyen fusiles, pistolas y otras armas y artefactos de la Guerra Civil y el “Far West”, así como rifles propiedad de los presidentes Washington y Roosevelt, un arco, carcaj y flechas que pertenecían al jefe indio Gerónimo. Estos objetos llenan las exposiciones de los pisos primero y segundo del museo.

Museo de la Creación | Petersberg


No apto para científicos, este es el museo que muestra la contradicción de la ciencia, representando y justificando la coexistencia entre seres humanos y dinosaurios. Retrata a la Tierra con aproximadamente 6.000 años de edad, con la intención de echar abajo la teoría de la evolución. Científicos y educadores han criticado el museo por tergiversar la ciencia y expresado su preocupación porque podría tener un impacto negativo en la educación científica. Los defensores de otras creencias religiosas sobre los orígenes del Universo, incluído el antiguo creacionismo terrestre, la evolución teísta y el diseño inteligente, han manifestado que su rechazo al consenso científico daña la credibilidad del cristianismo y de sus seguidores. Los principios del creacionismo de la Tierra gozan de un apoyo sustancial entre la población de los Estados Unidos, lo que contribuye a la popularidad del museo. Por esta y otras muchas razones, el museo resulta muy polémico y ha recibido muchos comentarios de los observadores culturales y la comunidad de museos. Estudiosos de estudios museísticos, como Gretchen Jennings, afirman que las exposiciones creacionistas carecen de “conexión válida con el pensamiento mundial actual sobre su disciplina” y con el “conocimiento y experiencia humana” que se tienen actualmente, no es en su opinión un museo en absoluto. Estamos totalmente de acuerdo, pero teníamos que mencionarlo hoy aquí.

Museo de Arte Speed | Louisville


El museo que dice de sí mismo que es donde “el arte de todo el mundo invita e inspira a diversas audiencias, experimentando el poder de la creatividad”. Si eres un aficionado al arte o no conoces aún a Dali o Degas, puedes encontrar inspiración fresca y significado artístico en el Museo de Arte Speed. Con una arquitectura moderna, una programación ampliada, exposiciones interactivas y espacios al aire libre acogedores, el Speed ​​ofrece innumerables oportunidades para que todos puedan crear sus propias conexiones y experimentar el arte a su propia velocidad (¿pilláis el chiste?).



El Museo Centro de Ciencias de Kentucky tiene una rica historia, desde su fundación como gabinete de curiosidades en el Sistema de Bibliotecas Públicas de Kentucky en 1871, hasta su estado actual como principal recurso de la región para la educación científica informal. Con poco más que una momia egipcia y una colección de 16.000 piezas de minerales, el Centro de Ciencias de Kentucky es ahora el centro científico más grande del estado, con tres pisos de exposiciones interactivas y experiencias didácticas de todo tipo, un teatro de cuatro pisos, laboratorios de enseñanza, programas educativos y sistemas de aprendizaje a distancia. En 2002, el Centro de Ciencias de Louisville fue designado como Centro Estatal de Ciencias de Kentucky por la Asamblea General de Kentucky. Esta nueva designación aportó gran relevancia a su historia emblemática y a la conexión demostrada que el centro de la ciencia había establecido durante muchos años con la administración y las partes interesadas de la Commonwealth y del resto de la región, además de crear esa unión con sus ciudadanos y visitantes de todo el mundo.

Museo KMAC | Louisville


Con una de las más grandes selecciones de artesanías hechas a mano en la región de Kentucky, este museo alberga tres áreas de exposiciones, una galería de ventas y otra con la colección permanente. Su galería comercial ofrece ilustraciones de más de 400 artistas regionales. KMAC está situado en el distrito de los museos, en la histórica West Main Street, en el centro de Louisville.



El museo del ferrocarril de Kentucky debe su origen a un pequeño número de entusiastas del ferrocarril que formaron un club local de la sociedad histórica del ferrocarril nacional en 1948. En los años 50, el club pidió al ferrocarril de Louisville y al de Nashville la donación de una locomotora de vapor para formar el núcleo de un museo ferroviario. El museo fue fundado oficialmente en 1954, con la donación de la locomotora de vapor #152, arrendando seis acres de tierra en la carretera del río, abriéndose al público en un día conmemorativo de 1958. El museo creció con la suma de otro equipo ferroviario donado y diversos artefactos y objetos relacionados con el ferrocarril. Con más de 100.000 visitantes ya a principios de 1960, ahora pasan a visitarlo más de 200.000 personas al año. Kentucky Railway Museum, es una organización privada sin ánimo de lucro, que sigue contando la historia de las personas que construyeron el ferrocarril a través de la interpretación y operación de su colección histórica.



Este museo presenta numerosas instalaciones y exposiciones itinerantes y cuenta con más de 115.000 edredones (quilts). Es visitado anualmente por numerosos entusiastas de este arte textil. El museo es un destino global que da la bienvenida a los visitantes de los 50 estados de los Estados Unidos y más de 40 países extranjeros cada año. Los visitantes experimentan a lo largo de tres galerías “el mundo de los edredones”, algunos realmente extraordinarios, todo un arte en fibra. El museo se renueva 7-8 veces al año por lo que siempre hay cosas que ver. Está entre los destinos turísticos más valorados del estado, después de haber ganado el Certificado de Excelencia de TripAdvisor cuatro años consecutivos.



Rollos de pastizales, mucha madera y vallas de piedra, plantaciones de tabaco, caballos combinados con la belleza incomparable de este sitio, hacen de la Kentucky’s Bluegrass Región uno de los lugares más bellos para visitar de todos los Estados Unidos. Pero es la gente del Bluegrass y su rica historia – desde la época de los nativos americanos hasta hoy – lo que hace de esta región uno de los lugares más interesantes de América. De hecho, National Geographic nombró al Bluegrass como uno de los 50 lugares de visita obligada de América debido a su belleza y al tesoro que guardan sus historias. El Museo de Historia de Bluegrass revive el pasado de la zona para todos los públicos mediante la recolección, preservación y exhibición de objetos valiosos de la historia de Winchester, Clark County y la región de Bluegrass de Kentucky.



Durante tu visita al Museo de Minería del Carbón de Kentucky, podrás ver el plano de una típica mina subterránea de carbón. La pantalla muestra todos los aspectos de una mina de carbón, incluída la estiba y otras actividades mineras. Los niños también disfrutarán subiéndose a la locomotora eléctrica modelo años 40. Esta máquina se utilizaba para transportar mineros dentro de la mina. Podrás ver maquinaria pesada usada en la explotación minera del “diamante negro.” El museo de la explotación minera del carbón de Kentucky está situado en la ciudad anterior al campo de carbón de Benham, en el condado de Harlan, Kentucky. Benham fue ocupado originalmente por familias de agricultores. International Harvester compró el área a principios de 1900 para abrir sus ricas minas de carbón, entonces comenzó allí la minería. Actualmente todas las minas están cerradas a la explotación a pesar de Trump.



Este museo muestra una colección de 50 años de historia con la exposición de artefactos raros y documentos relativos a la industria del whisky estadounidense, que abarca desde los días precoloniales hasta los años posteriores a la prohibición. El museo incluye exhibiciones sobre el presidente Washington, Abraham Lincoln, auténticos alambiques de alcohol ilegal, botellas y jarras de antigüedades, botellas de whisky medicinal, arte publicitario único, contenedores de whisky novedosos y mucho más.



Justo después de la Guerra Civil, se cree que un Thomas Edison de 19 años alquiló una habitación en este edificio durante parte de los 12 años que trabajó en Louisville, Kentucky, como telegrafista de la Western Union. Construida en la década de 1850, la estructura es uno de las pocas casas de ladrillo que quedan en la zona. En la exposición se pueden ver muchas de las invenciones de Edison, y se incluyen cilindros y discos de fonógrafos, bombillas incandescentes y artefactos de cine.

Museo Highlands | Ashland


El Museo Highlands fue creado en 1984 como centro histórico y cultural para el área de Ashland, Kentucky. El museo se alojó en la histórica Mansión Mayo hasta asumir su residencia definitiva, en 1944, en el Distrito de Main Street de Ashland, en el primer piso, sótano y entresuelo de la antigua CH Parsons Department Store. En 1997, siguiendo un proceso de planificación estratégica, cambió su nombre por el de Highlands Museum & Discovery Center. Entre los años 2003 y 2004, el museo inició una campaña de capital para recaudar fondos con el fin de renovar los espacios del museo del Parsons Department Store en el centro de Ashland y poder mostrar la historia de la región con exposiciones interpretativas. El Discovery Center cuenta con muchas áreas de exploración interactiva, e incluye un lugar de juegos especial para niños pequeños y una estación de simulación de vuelo para pilotos de todas las edades. Se puede caminar en la ciudad del río Ohio de Poage’s Landing y navegar en el Little Joe, un remolcador real. Hay un juego de roles en el paisaje urbano de una comunidad fluvial. En el museo se puede aprender sobre el mundo natural alrededor de la exhibición de la casa del árbol, o descansar un rato en el pórtico delantero y disfrutar de más juegos, de un jardín en forma de rompecabezas y de la casa de la marioneta de perro.



La Guía de América de Carretera – Atracciones Turísticas Offbeat recomienda una visita al Kentucky Art Center para disfrutar de una gran variedad de artes y artesanías – como esculturas, tallas, pinturas y dibujos – realizadas por artistas contemporáneos no profesionales de todos los rincones del estado. Ubicado en una antigua tienda de comestibles en el campus de la Universidad Estatal de Morehead, el centro-museo y tienda de regalos es el hogar de colecciones rotatorias permanentes de arte popular y objetos con nuevas exposiciones añadidas anualmente. Son importantes los eventos y actividades culturales, como es “Un día en la Feria de Arte Folklórico del País” (primer sábado de junio) y la Feria de Artes y Oficios de las Fiestas Apalaches (primer sábado de diciembre).

Museo de Kentucky | Bowling Green


El Museo de Kentucky se encuentra en el campus de Western Kentucky University. Constituye el hogar de fascinantes colecciones y exposiciones de arte y artefactos. Es importante que compruebes las fechas de apertura y cierre de todas las exposiciones a medida que planeas su visita. El calendario del museo, con su lista de exposiciones y programas, está diseñado sobre una base semanal. Los visitantes pueden hacer una visita guiada por sí mismos durante las horas regulares del museo o con los docentes del museo disponibles para responder a las preguntas y dar una idea de sus exposiciones. Los visitantes suelen pasar 1,5 horas en el museo a un ritmo pausado.



El parque histórico nacional, lugar de nacimiento de Abraham Lincoln (Abraham Lincoln Birthplace National Historical Park), es un sitio histórico nacional de Estados Unidos que protege el lugar donde Abraham Lincoln vivió su infancia, un área de 47 hectáreas que comprende los terrenos de dos granjas ubicadas cerca de Hodgenville, en el estado de Kentucky. Abraham Lincoln nació en una cabaña de troncos dentro de esta zona el 12 de febrero de 1809. No se ha podido determinar con exactitud la ubicación de la cabaña, pero todo parece indicar que estaba situada en la cima de la colina donde hoy se halla el monumento conmemorativo. Dentro de esta edificación se encuentra la vieja cabaña que se admite fue el lugar de nacimiento de Lincoln. Se le otorgó su estatus en 1916.






fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti


Cultura não é o que entra pelos olhos e ouvidos,
mas o que modifica o jeito de olhar e ouvir. 
A cultura e o amor devem estar juntos.

Vamos compartilhar.

Culture is not what enters the eyes and ears, 
but what modifies the way of looking and hearing.

The designs of cloth, garments and masks manufactured from beaten tree bark are usually based on abstract patterns and geometric structures. examples of this fascinating technique from Oceania, but also from Indonesia, Africa and the Amazon region. --- Os desenhos de tecidos, roupas e máscaras fabricados a partir de casca de árvore batida são geralmente baseados em padrões abstratos e estruturas geométricas. Exemplos dessa técnica fascinante da Oceania, mas também da Indonésia, África e região amazônica.


Although often associated with the Pacific Islands, the production of barkcloth textiles represents a major craft tradition across the world.



AND THE BEAT GOES ON… as a spin-off to the COMMON THREAD is taking a fresh look at barkcloth materials. As the exhibits illustrate, rather than just a curious legacy of non-European cultures, barkcloth is a multifaceted and vibrant contemporary art form. The exhibits on show explore the traditional and contemporary significance of barkcloth in everyday life, ritual and art.

Free
Weltkulturen Labor, Schaumainkai 37




 THE HISTORY OF THE WELTKULTUREN MUSEUM.
Unlike the many ethnographic museums that emerged from royal ‘cabinets of curiosities’, the Weltkulturen Museum in Frankfurt was founded by citizens for citizens. Its beginnings date from 1817, the founding year of the Senckenberg Natural History Society. This society built up collections in natural science and initially also in ethnography. Its ethnographic collection was given to the city of Frankfurt in 1877, and was housed in a dedicated ethnological section of the Frankfurt Historical Museum.


On 22 October 1904, the “Städtisches Völkermuseum” opened at Münzgasse 1. The museum’s founder and first director (until 1919) was the privy councillor and physician Dr. Bernhard Hagen. Because of its rapidly growing collections – in 1904 there were 4000 objects, by 1908 there were 16,000 – the museum moved to a new home after only four years.

On 22 October 1908, the museum reopened, now in the spacious premises of the Palais Thurn und Taxis at Große Eschersheimer Strasse 26. The ethnographic artefacts were presented in a permanent display and research collection along with smaller special exhibitions (sixteen of them up to 1944).

In the period from 1919 to 1935, Dr. Johannes Lehmann, former assistant at the museum, was its acting director.

From 1935 to 1938, Professor Leo Frobenius directed the museum. According to the handover documentation, in 1935 the collection consisted of 30,075 objects. Frobenius was also the director of the Institut für Kulturmorphologie, and a tradition began: From then until 1969, the two institutions would be headed by the same person. The Palais Thurn und Taxis was renovated and redesigned in line with its new tasks.


When Leo Frobenius died on 3 August 1938, Dr. Adolf Ellegard Jensen, one of the museum’s curators, became the acting director. He remained in post until 1946. By the beginning of the Second World War, the “Städtisches Völkermuseum” had become Frankfurt’s most-visited museum.

In 1940, the museum was closed to the public. Dr. Karin Hahn-Hissink, an anthropologist attached to the museum, instigated and organised the evacuation of two-thirds of the museum’s collections to ten safe locations in Thuringia, Franconia and Bavaria.

A bombing in March 1944 destroyed the museum in the Palais Thurn und Taxis with all its remaining ethnographic artefacts, photographic archives, collection records, and research and administration files. All that survived was the majority of the inventory books. Thanks to Karin Hahn-Hissink’s forward thinking, the evacuated artefacts were undamaged.

In the post-war period, Frankfurt’s museums lay in ruins. The collections that had been rescued were kept in cellars, bunkers and in an emergency storage. Some of these cultural treasures were presented in temporary exhibitions. In this period – between 1945 and 1972 – the “Städtisches Völkermuseum” created thirty-one exhibitions held in many different locations inside and outside the city of Frankfurt. The exhibitions provided information on the research and collection activities that were resumed soon after the end of the war (starting in the 1950s).

In 1946, Professor Adolf Ellegard Jensen was appointed director. Until 1965, he was simultaneously director of the museum, the Frobenius Institut (formerly the Institute for Cultural Morphology) and the newly established anthropology department at the University of Frankfurt. In 1946 the name of the museum was changed from “Städtisches Völkermuseum” to “Städtisches Museum für Völkerkunde” ("Municipal Museum of Ethnology").

On 4 July 1954, the museum celebrated its fiftieth anniversary. Dr. vom Rath, the city councillor responsible for cultural affairs at the time, hoped to set aside a plot of land for a future new building, but despite the examination of twenty projects the plan could not be implemented.

In the 1960s, the museum’s name changed again, to “Museum für Völkerkunde der Stadt Frankfurt am Main” (Museum of Anthropology of the City of Frankfurt am Main).

From 1965 to 1966, Professor Carl August Schmitz was the director of the museum.

Professor Hermann Niggemeyer took on acting management of the museum in 1966 and was appointed director in 1967.

1969 saw the separation of the Frobenius Institut from the museum. The museum moved to a villa at Schaumainkai 29 on the bank of the River Main. The first plans were drawn up for a new building in the Museum Park, between Villa 29 on Schaumainkai and the Kutscherhaus on Metzelerstraße, which is where the restoration workshops have been housed ever since. The new-build plans were never realised, and were officially abandoned in the 1980s.

From 1972 to 1983, Dr. Heinz Kelm was the director of the museum.
Partly influenced by the student movement of the 1960s, from the 1970s heated debates began over contemporary tasks and objectives of ethnographic museums as institutions. In these discussions, anthropology drew inspiration from sociology, and the Frankfurt museum’s educational mission was seen primarily as a sociopolitical one. Well into the 1980s, the museum defined itself as an information centre for the ‘Third World’, with changing exhibitions that introduced the public to the history and lifestyles of other cultures and offered information on their current situation, particularly problems of the present day. Moving through the thematically and regionally defined exhibitions, visitors were always confronted with their own society and especially with the destructive influence of imperialism and neo-imperialism on the cultures and economies of ‘Third World’ peoples. Great value was placed on the critical explanation of social contexts. In this period, there was a radical rejection of the dusty display cabinets and unrealistic dioramas that characterised most ethnographic museums of the day.

In 1983 Dr. Johanna Agthe – curator of the museum’s Africa collections – became the acting director (until 1985).


From 1985 to 1999, Professor Josef Franz Thiel was director.

In the mid-1980s, the “Museum für Völkerkunde der Stadt Frankfurt am Main” moved away from the model of the 1970s – that is, the primarily sociopolitical exhibition that shunned sensual aspects in its design. New approaches, topics and exhibition projects began to take shape.

For the first time, exhibitions addressed questions around the anthropology of religion, myth and the phenomenon of xenophobia, using cultural comparison and critical contextual presentation. In addition, contemporary art was introduced as a new focal point of collecting, even though at the time there was no consensus within museum anthropology that such art was worthy of collection and exhibition in an ethnographic museum.

Between 1985 and 1992, the second and third rounds of planning for a new museum of ethnology in the Museum Park were undertaken. In terms of content, detailed plans for the new building were completed right down to the selection of exhibits for each room. Despite this intensive preliminary work a lack of funds put paid to the new building.

Working with the collection’s historical ethnographic photographs, Professor Josef Franz Thiel systematically built up an image archive for the museum. Since it was established in 1987, its holdings have grown steadily through gifts, bequests of private papers and new purchases.

In 1987, the museum’s biggest post-1945 exhibition opened at the Schirn Kunsthalle in Frankfurt am Main. Entitled “Neuguinea. Nutzung und Deutung der Umwelt“ (New Guinea. Uses and Interpretations of the Environment), the exhibition displayed very large objects that could never have been shown to Frankfurt citizens in the Schaumainkai villa.

In the 1990s, the museum was extended along Schaumainkai, adding the villas at nos. 35 and 37 to the existing premises at no. 29. The new villas, along with the workshops in the Kutscherhaus, were fully renovated. A few years later, the fourth set of plans took shape for a large ethnographic exhibition space, this time based on the designs of artist Claus Bury.

The association “Friends of the Weltkulturen Museum” was founded in 1993. Ever since then it has accompanied and supported the museum’s many different activities.

From 1997 to 1998, the museum’s main building (Schaumainkai 29) remained closed for renovation.

In October 1998 the villa reopened with the exhibition “Talofa! Samoa, South Seas”.

The facades of the villas at nos. 35 and 37 were restored between 1988 and 2000.

From 1999, the acting directorship passed back to Dr. Johanna Agthe, curator of the Africa collection.

In 2000, Dr. Anette Rein became director of the museum (until 2008).
The “Interkulturelle Atelier“ (IKAT) was founded as a dedicated museum educational department.

In 2001, the museum was renamed “Museum der Weltkulturen” ("Museum of World Cultures").
Exhibitions and events cast a critical light on issues such as the meaning of life, death, ancestry, gender and age.
A fifth round of planning for a new exhibition building took place; this one, too, came to nothing.

Despite its new home on the southern bank of the Main, the museum continued the tradition of displaying its collections in different locations across Germany and abroad. Between 1975 and 2004, a total of thirty-nine of such large and small exhibitions were presented.

In 2003, the Museum der Weltkulturen launched an online magazine, “Journal Ethnologie” (headed by Ulrike Krasberg, who was responsible for the idea, project management and editing between 2003 and 2009). With sections on current topics, world music, interviews, exhibitions and media coverage, the journal published contributions by scholars in anthropology and cultural studies. www.journal-ethnologie.de

In 2004, discussions on the new building were resumed (sixth round of planning). This time the exhibition hall was to be combined with a parking lot underneath the river. Again, the plans were not realised.

On 22 October 2004, the museum celebrated its centenary. For the occasion, the Museum der Weltkulturen opened up parts of the museum’s collection that were usually closed to the public, presenting selected artefacts in the exhibition “Ansichtssachen aus 100 Jahren. Museum der Weltkulturen Frankfurt am Main” (Points of View from 100 Years).

From 2008 to 2010, Dr. Christine Stelzig, curator of the museum’s Africa collection, became the acting director.

In 2010, Dr. Clémentine Deliss was appointed director of the museum. Since then, the institution has been known as the “Weltkulturen Museum”.

For the seventh time, plans were drawn up for an extension to the museum. The architectural competition was won by the Berlin practice Kuehn Malvezzi, with designs that offered ideal spatial conditions for the museum’s role as a pioneering hub for exhibitions, education, research and artistic production. Because of the current budget situation, plans for an extension of the Weltkulturen Museum were postponed. The museum will now try to present some of its large-format treasures to the public outside its own limited spaces.

In 2011, the villas at the Schaumainkai were renovated.

On 4th February 2011, the “Weltkulturen Labor” opened in the villa at Schaumainkai 37. The villa houses exhibition spaces, the project space “Green Room”, an event room, guest apartments, studios, and the collection Visual Anthropology

On 19th April 2011, the “Green Room” in the Weltkulturen Labor opened with the exhibition “DAN REES“. Since then ten exhibitions were shown there.

On 25th January 2012, the villa at Schaumainkai 29 reopened with the path-breaking exhibition “OBJECT ATLAS. Fieldwork in the Museum”.
The Weltkulturen Museum’s education department is located on the second floor of this villa.




fonte: @edisonmariotti #edisonmariotti


Cultura não é o que entra pelos olhos e ouvidos,
mas o que modifica o jeito de olhar e ouvir. 
A cultura e o amor devem estar juntos.

Vamos compartilhar.

Culture is not what enters the eyes and ears, 
but what modifies the way of looking and hearing.






--br via tradutor do google

Os desenhos de tecidos, roupas e máscaras fabricados a partir de casca de árvore batida são geralmente baseados em padrões abstratos e estruturas geométricas. Exemplos dessa técnica fascinante da Oceania, mas também da Indonésia, África e região amazônica.



Embora muitas vezes associada com as ilhas do Pacífico, a produção de têxteis barkcloth representa uma tradição artesanal importante em todo o mundo.

E a batida vai ... como um spin-off para o fio comum está tomando um olhar fresco em materiais barkcloth. Como as exposições ilustram, ao invés de apenas um legado curioso de culturas não-européias, barkcloth é uma forma de arte contemporânea multifacetada e vibrante. As exposições em exposição explorar o significado tradicional e contemporânea de barkcloth na vida cotidiana, ritual e arte.

Livre
Weltkulturen Trabalho, Schaumainkai 37



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A HISTÓRIA DO MUSEU WELTKULTUREN

Ao contrário dos muitos museus etnográficos que surgiram dos "gabinetes de curiosidades" reais, o Museu Weltkulturen em Frankfurt foi fundado por cidadãos para cidadãos. Os seus primórdios datam de 1817, o ano fundador da Senckenberg Natural History Society. Esta sociedade construiu coleções em ciências naturais e inicialmente também em etnografia. Sua coleção etnográfica foi dada à cidade de Frankfurt, em 1877, e foi alojada em uma seção etnológica dedicada do Museu Histórico de Frankfurt.

Em 22 de outubro de 1904, o "Städtisches Völkermuseum" abriu em Münzgasse 1. O fundador e o primeiro diretor do museu (até 1919) foi o conselheiro e médico Dr. Bernhard Hagen. Devido às suas coleções em rápido crescimento - em 1904 havia 4.000 objetos, em 1908 havia 16.000 - o museu mudou-se para uma nova casa depois de apenas quatro anos.

Em 22 de outubro de 1908, o museu reabriu, agora nas espaçosas instalações do Palais Thurn und Taxis na Große Eschersheimer Strasse 26. Os artefatos etnográficos foram apresentados em uma exibição permanente e coleção de pesquisa, juntamente com exposições especiais menores (dezesseis até 1944 ).

No período de 1919 a 1935, o Dr. Johannes Lehmann, ex-assistente no museu, foi seu diretor interino.

De 1935 a 1938, o professor Leo Frobenius dirigiu o museu. De acordo com a documentação de entrega, em 1935 a coleção consistiu em 30.075 objetos. Frobenius foi também diretor do Institut für Kulturmorphologie, e uma tradição começou: desde então, até 1969, as duas instituições seriam lideradas pela mesma pessoa. O Palais Thurn und Taxis foi renovado e redesenhado de acordo com suas novas tarefas.

Quando Leo Frobenius morreu em 3 de agosto de 1938, o Dr. Adolf Ellegard Jensen, um dos curadores do museu, tornou-se diretor interino. Ele permaneceu no cargo até 1946. No início da Segunda Guerra Mundial, o "Städtisches Völkermuseum" tornou-se o museu mais visitado de Frankfurt.

Em 1940, o museu estava fechado para o público. A Dra. Karin Hahn-Hissink, uma antropóloga anexada ao museu, instigou e organizou a evacuação de dois terços das coleções do museu para dez locais seguros na Turíngia, Francônia e Baviera.

Um bombardeio em março de 1944 destruiu o museu no Palais Thurn und Taxis com todos os seus artefatos etnográficos remanescentes, arquivos fotográficos, registros de coleção e arquivos de pesquisa e administração. Tudo o que sobreviveu foi a maioria dos livros de inventário. Graças ao pensamento avançado de Karin Hahn-Hissink, os artefatos evacuados não estavam danificados.

No período pós-guerra, os museus de Frankfurt ficaram em ruínas. As coleções que foram resgatadas foram mantidas em adegas, bunkers e em um armazenamento de emergência. Alguns desses tesouros culturais foram apresentados em exposições temporárias. Neste período - entre 1945 e 1972 - o "Städtisches Völkermuseum" criou trinta e uma exposições realizadas em diferentes locais dentro e fora da cidade de Frankfurt. As exposições forneceram informações sobre as atividades de pesquisa e coleta que foram retomadas logo após o fim da guerra (a partir da década de 1950).

Em 1946, o professor Adolf Ellegard Jensen foi nomeado diretor. Até 1965, foi simultaneamente diretor do museu, Frobenius Institut (anteriormente Instituto de Morfologia Cultural) e o recém-criado departamento de antropologia da Universidade de Frankfurt. Em 1946, o nome do museu foi mudado de "Städtisches Völkermuseum" para "Städtisches Museum für Völkerkunde" ("Museu Municipal de Etnologia").

Em 4 de julho de 1954, o museu celebrou seu cinquenta aniversário. O Dr. vom Rath, o conselheiro municipal responsável pelos assuntos culturais na época, esperava deixar de lado um terreno para um novo prédio futuro, mas, apesar do exame de vinte projetos, o plano não pôde ser implementado.

Na década de 1960, o nome do museu mudou novamente, para "Museum für Völkerkunde der Stadt Frankfurt am Main" (Museu de Antropologia da Cidade de Frankfurt am Main).

De 1965 a 1966, o professor Carl August Schmitz foi o diretor do museu.

O professor Hermann Niggemeyer assumiu a gestão de atuação do museu em 1966 e foi nomeado diretor em 1967.

1969 viu a separação do Instituto Frobenius do museu. O museu mudou-se para uma villa em Schaumainkai 29, no margem do rio Main. Os primeiros planos foram elaborados para um novo edifício no Parque dos Museus, entre a Villa 29 em Schaumainkai e o Kutscherhaus em Metzelerstraße, onde são as oficinas de restauração desde então. Os planos de nova construção nunca foram realizados, e foram oficialmente abandonados na década de 1980.

De 1972 a 1983, o Dr. Heinz Kelm foi o diretor do museu.

Em parte influenciado pelo movimento estudantil da década de 1960, a partir da década de 1970 acalorados debates começaram por tarefas contemporâneas e objetivos de museus etnográficos como instituições. Nessas discussões, a antropologia inspirou-se na sociologia, e a missão educacional do museu de Frankfurt foi vista principalmente como uma questão sociopolítica. Bem na década de 1980, o museu definiu-se como um centro de informação para o "Terceiro Mundo", com exposições em mudança que introduziram o público sobre a história e os estilos de vida de outras culturas e ofereceram informações sobre a situação atual, particularmente os problemas do presente. Através das exposições temáticas e regionais, os visitantes sempre foram confrontados com a própria sociedade e especialmente com a influência destrutiva do imperialismo e do neo-imperialismo nas culturas e economias dos povos do "Terceiro Mundo". Grande valor foi colocado na explicação crítica dos contextos sociais. Neste período, houve uma rejeição radical das exposições empoeiradas e dioramas irrealistas que caracterizaram a maioria dos museus etnográficos do dia.

Em 1983, a Dra. Johanna Agthe - curadora das coleções africanas do museu - tornou-se o diretor interino (até 1985).

De 1985 a 1999, o professor Josef Franz Thiel foi diretor.

Em meados da década de 1980, o "Museum für Völkerkunde der Stadt Frankfurt am Main" se afastou do modelo da década de 1970 - ou seja, a exposição principalmente sociopolítica que evitou os aspectos sensuais no seu design. Novas abordagens, tópicos e projetos expositivos começaram a tomar forma.

Pela primeira vez, as exposições abordaram questões sobre a antropologia da religião, do mito e do fenômeno da xenofobia, utilizando comparações culturais e apresentação contextual crítica. Além disso, a arte contemporânea foi introduzida como um novo ponto focal de coleta, embora na época não existisse consenso dentro da antropologia do museu que tal arte fosse digna de coleta e exibição em um museu etnográfico.

Entre 1985 e 1992, foram realizadas as segunda e terceira rodadas de planejamento para um novo museu de etnologia no Parque dos Museus. Em termos de conteúdo, os planos detalhados para o novo edifício foram concluídos até a seleção de exposições para cada sala. Apesar deste intenso trabalho preliminar, a falta de fundos foi paga ao novo prédio.

Trabalhando com as fotografias etnográficas históricas da coleção, o professor Josef Franz Thiel construiu sistematicamente um arquivo de imagem para o museu. Desde a sua criação em 1987, as suas participações cresceram constantemente através de presentes, legados de papéis privados e novas compras.

Em 1987, a maior exposição pós-1945 do museu abriu no Schirn Kunsthalle em Frankfurt am Main. Intitulado "Neuguinea. Nutzung und Deutung der Umwelt "(Nova Guiné. Usos e Interpretações do Meio Ambiente), a exposição exibiu objetos muito grandes que nunca poderiam ter sido exibidos para cidadãos de Frankfurt na villa de Schaumainkai.

Na década de 1990, o museu foi prolongado ao longo de Schaumainkai, adicionando as moradias nos nos. 35 e 37 às instalações existentes no nº. 29. As novas moradias, juntamente com as oficinas do Kutscherhaus, foram totalmente renovadas. Poucos anos depois, o quarto conjunto de planos tomou forma para um grande espaço expositivo etnográfico, desta vez baseado nos desenhos do artista Claus Bury.

A associação "Friends of the Weltkulturen Museum" foi fundada em 1993. Desde então, acompanhou e apoiou as diversas atividades do museu.

De 1997 a 1998, o edifício principal do museu (Schaumainkai 29) permaneceu fechado para renovação.

Em outubro de 1998, a villa reabriu com a exposição "Talofa! Samoa, mares do sul ".

As fachadas das moradias nos nos. 35 e 37 foram restaurados entre 1988 e 2000.

A partir de 1999, a diretoria em ação passou de volta para a Dra. Johanna Agthe, curadora da coleção África.

Em 2000, o Dr. Anette Rein tornou-se diretor do museu (até 2008).

O "Interkulturelle Atelier" (IKAT) foi fundado como um departamento educacional dedicado ao museu.

Em 2001, o museu foi renomeado "Museum der Weltkulturen" ("Museum of World Cultures").

Exposições e eventos lançaram uma luz crítica sobre questões como o significado da vida, morte, ascendência, gênero e idade.

Uma quinta rodada de planejamento para um novo edifício de exposição ocorreu; Esse também não chegou a nada.

Apesar da sua nova casa no banco sul do Main, o museu continuou a tradição de exibir suas coleções em diferentes locais na Alemanha e no exterior. Entre 1975 e 2004, um total de trinta e nove exposições tão grandes e pequenas foram apresentadas.

Em 2003, o Museum der Weltkulturen lançou uma revista on-line, "Journal Ethnologie" (liderada por Ulrike Krasberg, responsável pela idéia, gerenciamento de projetos e edição entre 2003 e 2009). Com seções sobre temas atuais, música mundial, entrevistas, exposições e cobertura de mídia, a revista publicou contribuições de estudiosos em estudos antropológicos e culturais. 
www.journal-ethnologie.de

Em 2004, as discussões sobre o novo edifício foram retomadas (sexta rodada de planejamento). Desta vez, o salão de exposição deveria ser combinado com um estacionamento embaixo do rio. Mais uma vez, os planos não foram realizados.

Em 22 de outubro de 2004, o museu celebrou seu centenário. Para a ocasião, o Museum der Weltkulturen abriu partes da coleção do museu que geralmente eram fechadas ao público, apresentando artefatos selecionados na exposição "Ansichtssachen aus 100 Jahren. Museum der Weltkulturen Frankfurt am Main "(pontos de vista de 100 anos).

De 2008 a 2010, a Dra. Christine Stelzig, curadora da coleção africana do museu, tornou-se o diretor interino.

Em 2010, a Dra. Clémentine Deliss foi nomeada diretora do museu. Desde então, a instituição é conhecida como o "Museu Weltkulturen".

Pela sétima vez, os planos foram elaborados para uma extensão do museu. O concurso de arquitetura foi conquistado pela prática de Berlim, Kuehn Malvezzi, com projetos que ofereciam condições espaciais ideais para o papel do museu como centro pioneiro para exposições, educação, pesquisa e produção artística. Por causa da situação orçamentária atual, os planos para uma extensão do Museu Weltkulturen foram adiados. O museu agora tentará apresentar alguns dos seus tesouros de grande formato ao público, além dos seus espaços limitados.

Em 2011, as moradias do Schaumainkai foram renovadas.

Em 4 de fevereiro de 2011, o "Weltkulturen Labor" abriu na villa em Schaumainkai 37. A moradia abriga espaços de exposição, o espaço do projeto "Green Room", uma sala de eventos, apartamentos convidados, estúdios e a coleção de Antropologia Visual.

Em 19 de abril de 2011, o "Green Room" no Weltkulturen Labor abriu com a exposição "DAN REES". Desde então, foram exibidas dez exposições.

Em 25 de janeiro de 2012, a vila de Schaumainkai 29 reabriu com a exposição itinerante "OBJECT ATLAS. Trabalho de campo no museu ".

O departamento de educação do Museu Weltkulturen está localizado no segundo andar desta vila.