Around 700 first-rate exhibits – ceramics and metalwork finished in a variety of techniques, articles decorated with enamel and lacquer show visitors the beauty of the work of Japanese craftsmen.
A separate entrance for the exhibition visitors will be provided on Tuesday and Saturdays from 18.15 till 21.00 through the Small Hermitage, from Shuvalovsky Proezd (37 Millionnaya Street). The entry ticket is 200 RUB for all visitors.
The second half of the 19th century was an exceptional time for Japan. The country abandoned its policy of self-isolation and began to change at a rapid pace, pursuing a course of modernization and “westernization” in all aspects of life. International treaties were concluded with several states regulating legal and commercial relations; the political system was reformed; large commercial enterprises were created; culture and art began to receive government support. The young Emperor Mutsuhito (1851–1912) came to power. His motto, and posthumous name, was the term Meiji (“enlightened rule”), reflecting an intention to create a new, modern Japan. By the end of the century, all-embracing reforms enabled the Land of the Rising Sun to occupy a worthy place among the leading nations of the world.
In the exhibition, metalwork is represented by the creations of the court craftsmen Kano Natsuo, Suzuki Chokichi, Hiratsuka Mohei and Komai Otojirō. These are pieces made from various alloys decorated in the techniques of gold and silver hatching and inlay, quite often covered with patinas in several shades. The painstaking finishing of such articles was compared to the weaving of brocade: the extremely fine details need to be carefully viewed, at times with magnification, to appreciate the quality of the workmanship. The exhibition includes some unique works of Japanese plastic art in metal: a pair of gilded vases by the master craftsman Mitsumine which have no known parallels in other collections.
The field of applied art most fully reflected in the exhibition is enamelware. The time span here is fairly broad, covering a period from the early experimental attempts at enamelling to the 1910s, when the technique for decorating objects had been elevated to perfection. Vases and vessels embellished with transparent, translucent or opaque enamel, over a single-coloured, sometimes contrasting black mirrored ground, with transitions from one shade of colour to another or precise boundaries in the pattern of the ornamentation. Another distinctive feature of the enamelware is the naturalistic depiction of birds, flowers and landscapes that can be described as close to the realistic manner of painting. These exquisite objects are true masterpieces of coloured cloisonné (using fine silver partitions) and non-cloisonné enamelling. The exhibits include works by well-known craftsmen – Namikawa Yasuyuki, Namikawa Sosuke, Ando Jubei and Hayashi Kodenji.
The technique of making enamelware was exceptionally expensive, require enormous investments of time and effort. This may explain the fact that when the Meiji era drew to a close the majority of workshops closed down and soon the skills acquired through years of experience became lost.
A remarkable collection of Japanese ceramics is represented by celebrated Satsuma vases and incense-burners, the painted decoration of which is remarkable for its exquisite conciseness. The province of Satsuma on the island of Kyushu, which gave its name to a whole class of ceramic ware, became one of the leading centres of Japanese pottery-making from the late sixteenth century. The local products of light-coloured clay covered with a translucent cream glaze with a craquelure network of fine cracks rapidly gained recognition across the whole of Japan as early as the 1600s. For all the variety in methods of decoration, there are obvious common technical, technological and stylistic features in the finishing of “Satsuma ware”. The most noticeable feature of such decoration (representing part of its innovative character) was the use of genre compositions, sometimes elaborately composed multifigure scenes that had previously been extremely rare in the decoration of Japanese earthenware and porcelain. The exhibition features pieces from the Kinkozan, Yabu Meizan and other workshops.
The collection of lacquerware, made from precious varieties of wood and decorated in a manner traditional for the Far East, is represented by objects typical for the time in question. There are cabinets with doors inlaid with mother-of-pearl, tortoiseshell and expensive imported materials; caskets embellished with gold lacquer in different shades. The decorative compositions had popular subjects: personages from literature, history or mythology, topographical views and the temples of Japan, motifs in the “flowers and birds” genre. Gold painting in low relief, sometimes executed with a brush literally as fine as a single hair, and inlaid gold spangles are testimony to the labour-intensive and expensive nature of the work. Various methods of finishing lacquerware can be seen in the decoration of a cabinet attributed to the craftsman Shibata Zeshin.
It is appropriate to note the difference between Japanese and Russian lacquer. In Russia, as in Europe, lacquer or varnish was always a coating material, applied in a thin layer at the final stage and intended to provide protection against environmental factors for the oil paints on a canvas, for example, or the painted decoration on Palekh boxes. It was never regarded as a material in its own right, possessing its own beauty. Japanese craftsmen, by contrast, took to applying lacquer in multiple coats, “immersing” an image in its depths. As a result, the decoration acquired the optical effect of volume.
The exhibition curators are Anna Vasilyevna Savelyeva, head of the Far East sector, and Maria Lvovna Menshikova, senior researcher in the State Hermitage’s Department of the East. The owner of the collection is Zakhar Davidovich Smushkin. A four-volume scholarly illustrated catalogue has been prepared for the exhibition in both Russian and English.
From 19 November 2016 to 2 April 2017 the Hermitage introduces additional opening hours of the exhibition.
Cultura não é o que entra pelos olhos e ouvidos,
mas o que modifica o jeito de olhar e ouvir.
--br
Perfeição em Detalhes. A arte do Japão no período Meiji (1868-1912)
Cerca de 700 objetos em exposições de primeira qualidade - cerâmica e metalurgia terminou em uma variedade de técnicas, artigos decorados com esmalte e laca mostrar aos visitantes a beleza do trabalho de artesãos japoneses.
Uma entrada separada para os visitantes da exposição será fornecida na terça-feira e sábados de 18.15 até 21.00 através do Hermitage pequeno, de Shuvalovsky Proezd (rua 37 de Millionnaya). O bilhete de entrada é de 200 RUB para todos os visitantes.
A segunda metade do século XIX foi um momento excepcional para o Japão. O país abandonou a sua política de auto-isolamento e começou a mudar a um ritmo acelerado, prosseguindo um curso de modernização e "ocidentalização" em todos os aspectos da vida. Foram celebrados tratados internacionais com vários Estados que regulam as relações jurídicas e comerciais; O sistema político foi reformado; Foram criadas grandes empresas comerciais; Cultura e arte começaram a receber apoio governamental. O jovem imperador Mutsuhito (1851-1912) chegou ao poder. Seu lema, e nome póstumo, foi o termo Meiji ("regra iluminada"), refletindo a intenção de criar um Japão novo e moderno. No final do século, as reformas abrangentes permitiram à Terra do Sol Nascente ocupar um lugar digno entre as principais nações do mundo.
Na exposição, o trabalho em metal é representado pelas criações dos artesãos da corte Kano Natsuo, Suzuki Chokichi, Hiratsuka Mohei e Komai Otojirō. Estas são peças feitas a partir de várias ligas decoradas com as técnicas de ouro e prata de incubação e embutimento, muitas vezes coberto com patinas em vários tons. O acabamento cuidadoso de tais artigos foi comparado com a tecelagem de brocado: os detalhes extremamente finos precisam ser cuidadosamente vistos, às vezes com ampliação, para apreciar a qualidade da obra. A exposição inclui algumas obras únicas de arte plástica japonesa em metal: um par de vasos dourados pelo mestre artesão Mitsumine que não têm paralelos conhecidos em outras coleções.
O campo da arte aplicada mais plenamente refletido na exposição é enamelware. O período de tempo aqui é bastante amplo, cobrindo um período desde as primeiras tentativas experimentais de esmaltagem até a década de 1910, quando a técnica para decorar objetos tinha sido elevada à perfeição. Vasos e vasos embelezados com esmalte transparente, translúcido ou opaco, sobre uma única cor, por vezes contrastando preto chão espelhado, com transições de uma cor de sombra para outra ou limites precisos no padrão da ornamentação. Outra característica distintiva do enamelware é a representação naturalista de aves, flores e paisagens que podem ser descritos como perto da forma realista de pintura. Estes objetos requintados são verdadeiras obras-primas de cloisonné colorido (usando partições finas de prata) e não esmaltados cloisonné. As exposições incluem obras de artesãos bem conhecidos - Namikawa Yasuyuki, Namikawa Sosuke, Ando Jubei e Hayashi Kodenji.
A técnica de fazer esmalte era excepcionalmente cara, requerem enormes investimentos de tempo e esforço. Isso pode explicar o fato de que quando a era Meiji chegou ao fim a maioria dos workshops fechou e logo as habilidades adquiridas através de anos de experiência se perderam.
Uma notável coleção de cerâmica japonesa é representada por célebres vasos e incensores de Satsuma, cuja decoração pintada é notável por sua concisão exquisita. A província de Satsuma, na ilha de Kyushu, que deu o seu nome a toda uma classe de cerâmica, tornou-se um dos principais centros de cerâmica japonesa de tomada de final do século XVI. Os produtos locais de argila de cor clara coberta com um esmalte de creme translúcido com uma rede de craquelure de rachaduras finas rapidamente ganharam reconhecimento em todo o Japão desde os 1600s. Para toda a variedade de métodos de decoração, existem óbvias características técnicas, tecnológicas e estilísticas no acabamento de "Satsuma Ware". A característica mais notável de tal decoração (que representa parte de seu caráter inovador) foi o uso de composições de gênero, às vezes elaboradamente composta cenas multifigas que anteriormente havia sido extremamente raro na decoração de cerâmica e porcelana japonesa. A exposição apresenta peças do Kinkozan, Yabu Meizan e outras oficinas.
A coleção de laca, feita de preciosas variedades de madeira e decorada de uma maneira tradicional para o Extremo Oriente, é representada por objetos típicos para o tempo em questão. Há armários com portas embutidas com madrepérola, tartaruga e caros materiais importados; Caixões embellished com laca do ouro em máscaras diferentes. As composições decorativas tinham temas populares: personagens da literatura, história ou mitologia, vistas topográficas e os templos do Japão, motivos no gênero "flores e pássaros". Pintura de ouro em baixo relevo, às vezes executado com um pincel literalmente tão fino como um único cabelo, e incrustações de lantejoulas de ouro são um testemunho da natureza de trabalho intensivo e caro do trabalho. Vários métodos de acabamento lacquerware pode ser visto na decoração de um gabinete atribuído ao artesão Shibata Zeshin.
É apropriado observar a diferença entre verniz japonês e russo. Na Rússia, como na Europa, a laca ou o verniz eram sempre um material de revestimento, aplicado em uma camada fina na fase final e destinado a fornecer proteção contra fatores ambientais para as tintas a óleo em uma tela, por exemplo, ou a decoração pintada em Palekh Caixas. Nunca foi considerado como um material em si mesmo, possuindo sua própria beleza. Os artesãos japoneses, em contraste, levaram a aplicar verniz em vários casacos, "imergindo" uma imagem em suas profundezas. Como resultado, a decoração adquiriu o efeito óptico do volume.
Os curadores da exposição são Anna Vasilyevna Savelyeva, chefe do setor do Extremo Oriente, e Maria Lvovna Menshikova, pesquisadora sênior do Departamento do Oriente do Hermitage do Estado. O dono da coleção é Zakhar Davidovich Smushkin. Um catálogo ilustrado erudito de quatro volumes foi preparado para a exposição em russo e inglês.
Suzuribako writing box
Last third of the 19th century
Box: wood, lacquer, mother-of-pearl, ivory, stone
Techniques: iro-urushi, takamaki-e, hiramaki-e, togidashi, nashiji, ohirame, inlay, carving
Water-dropper: silver, non-ferrous alloys
24.3 × 22 × 4.9cm
Last third of the 19th century
Box: wood, lacquer, mother-of-pearl, ivory, stone
Techniques: iro-urushi, takamaki-e, hiramaki-e, togidashi, nashiji, ohirame, inlay, carving
Water-dropper: silver, non-ferrous alloys
24.3 × 22 × 4.9cm
A separate entrance for the exhibition visitors will be provided on Tuesday and Saturdays from 18.15 till 21.00 through the Small Hermitage, from Shuvalovsky Proezd (37 Millionnaya Street). The entry ticket is 200 RUB for all visitors.
The second half of the 19th century was an exceptional time for Japan. The country abandoned its policy of self-isolation and began to change at a rapid pace, pursuing a course of modernization and “westernization” in all aspects of life. International treaties were concluded with several states regulating legal and commercial relations; the political system was reformed; large commercial enterprises were created; culture and art began to receive government support. The young Emperor Mutsuhito (1851–1912) came to power. His motto, and posthumous name, was the term Meiji (“enlightened rule”), reflecting an intention to create a new, modern Japan. By the end of the century, all-embracing reforms enabled the Land of the Rising Sun to occupy a worthy place among the leading nations of the world.
In the exhibition, metalwork is represented by the creations of the court craftsmen Kano Natsuo, Suzuki Chokichi, Hiratsuka Mohei and Komai Otojirō. These are pieces made from various alloys decorated in the techniques of gold and silver hatching and inlay, quite often covered with patinas in several shades. The painstaking finishing of such articles was compared to the weaving of brocade: the extremely fine details need to be carefully viewed, at times with magnification, to appreciate the quality of the workmanship. The exhibition includes some unique works of Japanese plastic art in metal: a pair of gilded vases by the master craftsman Mitsumine which have no known parallels in other collections.
The field of applied art most fully reflected in the exhibition is enamelware. The time span here is fairly broad, covering a period from the early experimental attempts at enamelling to the 1910s, when the technique for decorating objects had been elevated to perfection. Vases and vessels embellished with transparent, translucent or opaque enamel, over a single-coloured, sometimes contrasting black mirrored ground, with transitions from one shade of colour to another or precise boundaries in the pattern of the ornamentation. Another distinctive feature of the enamelware is the naturalistic depiction of birds, flowers and landscapes that can be described as close to the realistic manner of painting. These exquisite objects are true masterpieces of coloured cloisonné (using fine silver partitions) and non-cloisonné enamelling. The exhibits include works by well-known craftsmen – Namikawa Yasuyuki, Namikawa Sosuke, Ando Jubei and Hayashi Kodenji.
The technique of making enamelware was exceptionally expensive, require enormous investments of time and effort. This may explain the fact that when the Meiji era drew to a close the majority of workshops closed down and soon the skills acquired through years of experience became lost.
A remarkable collection of Japanese ceramics is represented by celebrated Satsuma vases and incense-burners, the painted decoration of which is remarkable for its exquisite conciseness. The province of Satsuma on the island of Kyushu, which gave its name to a whole class of ceramic ware, became one of the leading centres of Japanese pottery-making from the late sixteenth century. The local products of light-coloured clay covered with a translucent cream glaze with a craquelure network of fine cracks rapidly gained recognition across the whole of Japan as early as the 1600s. For all the variety in methods of decoration, there are obvious common technical, technological and stylistic features in the finishing of “Satsuma ware”. The most noticeable feature of such decoration (representing part of its innovative character) was the use of genre compositions, sometimes elaborately composed multifigure scenes that had previously been extremely rare in the decoration of Japanese earthenware and porcelain. The exhibition features pieces from the Kinkozan, Yabu Meizan and other workshops.
The collection of lacquerware, made from precious varieties of wood and decorated in a manner traditional for the Far East, is represented by objects typical for the time in question. There are cabinets with doors inlaid with mother-of-pearl, tortoiseshell and expensive imported materials; caskets embellished with gold lacquer in different shades. The decorative compositions had popular subjects: personages from literature, history or mythology, topographical views and the temples of Japan, motifs in the “flowers and birds” genre. Gold painting in low relief, sometimes executed with a brush literally as fine as a single hair, and inlaid gold spangles are testimony to the labour-intensive and expensive nature of the work. Various methods of finishing lacquerware can be seen in the decoration of a cabinet attributed to the craftsman Shibata Zeshin.
It is appropriate to note the difference between Japanese and Russian lacquer. In Russia, as in Europe, lacquer or varnish was always a coating material, applied in a thin layer at the final stage and intended to provide protection against environmental factors for the oil paints on a canvas, for example, or the painted decoration on Palekh boxes. It was never regarded as a material in its own right, possessing its own beauty. Japanese craftsmen, by contrast, took to applying lacquer in multiple coats, “immersing” an image in its depths. As a result, the decoration acquired the optical effect of volume.
The exhibition curators are Anna Vasilyevna Savelyeva, head of the Far East sector, and Maria Lvovna Menshikova, senior researcher in the State Hermitage’s Department of the East. The owner of the collection is Zakhar Davidovich Smushkin. A four-volume scholarly illustrated catalogue has been prepared for the exhibition in both Russian and English.
From 19 November 2016 to 2 April 2017 the Hermitage introduces additional opening hours of the exhibition.
Cultura e conhecimento são ingredientes essenciais para a sociedade.
mas o que modifica o jeito de olhar e ouvir.
A cultura e o amor devem estar juntos.
Vamos compartilhar.
Culture is not what enters the eyes and ears,
but what modifies the way of looking and hearing.
Culture is not what enters the eyes and ears,
but what modifies the way of looking and hearing.
--br
Perfeição em Detalhes. A arte do Japão no período Meiji (1868-1912)
Cerca de 700 objetos em exposições de primeira qualidade - cerâmica e metalurgia terminou em uma variedade de técnicas, artigos decorados com esmalte e laca mostrar aos visitantes a beleza do trabalho de artesãos japoneses.
Suzuribako caixa de escrever
Último terço do século XIX
Caixa: madeira, laca, madrepérola, marfim, pedra
Técnicas: iro-urushi, takamaki-e, hiramaki-e, togidashi, nashiji, ohirame, incrustação, escultura
Conta-gotas: prata, ligas não ferrosas
24,3 × 22 × 4,9 cm
Último terço do século XIX
Caixa: madeira, laca, madrepérola, marfim, pedra
Técnicas: iro-urushi, takamaki-e, hiramaki-e, togidashi, nashiji, ohirame, incrustação, escultura
Conta-gotas: prata, ligas não ferrosas
24,3 × 22 × 4,9 cm
Uma entrada separada para os visitantes da exposição será fornecida na terça-feira e sábados de 18.15 até 21.00 através do Hermitage pequeno, de Shuvalovsky Proezd (rua 37 de Millionnaya). O bilhete de entrada é de 200 RUB para todos os visitantes.
A segunda metade do século XIX foi um momento excepcional para o Japão. O país abandonou a sua política de auto-isolamento e começou a mudar a um ritmo acelerado, prosseguindo um curso de modernização e "ocidentalização" em todos os aspectos da vida. Foram celebrados tratados internacionais com vários Estados que regulam as relações jurídicas e comerciais; O sistema político foi reformado; Foram criadas grandes empresas comerciais; Cultura e arte começaram a receber apoio governamental. O jovem imperador Mutsuhito (1851-1912) chegou ao poder. Seu lema, e nome póstumo, foi o termo Meiji ("regra iluminada"), refletindo a intenção de criar um Japão novo e moderno. No final do século, as reformas abrangentes permitiram à Terra do Sol Nascente ocupar um lugar digno entre as principais nações do mundo.
Na exposição, o trabalho em metal é representado pelas criações dos artesãos da corte Kano Natsuo, Suzuki Chokichi, Hiratsuka Mohei e Komai Otojirō. Estas são peças feitas a partir de várias ligas decoradas com as técnicas de ouro e prata de incubação e embutimento, muitas vezes coberto com patinas em vários tons. O acabamento cuidadoso de tais artigos foi comparado com a tecelagem de brocado: os detalhes extremamente finos precisam ser cuidadosamente vistos, às vezes com ampliação, para apreciar a qualidade da obra. A exposição inclui algumas obras únicas de arte plástica japonesa em metal: um par de vasos dourados pelo mestre artesão Mitsumine que não têm paralelos conhecidos em outras coleções.
O campo da arte aplicada mais plenamente refletido na exposição é enamelware. O período de tempo aqui é bastante amplo, cobrindo um período desde as primeiras tentativas experimentais de esmaltagem até a década de 1910, quando a técnica para decorar objetos tinha sido elevada à perfeição. Vasos e vasos embelezados com esmalte transparente, translúcido ou opaco, sobre uma única cor, por vezes contrastando preto chão espelhado, com transições de uma cor de sombra para outra ou limites precisos no padrão da ornamentação. Outra característica distintiva do enamelware é a representação naturalista de aves, flores e paisagens que podem ser descritos como perto da forma realista de pintura. Estes objetos requintados são verdadeiras obras-primas de cloisonné colorido (usando partições finas de prata) e não esmaltados cloisonné. As exposições incluem obras de artesãos bem conhecidos - Namikawa Yasuyuki, Namikawa Sosuke, Ando Jubei e Hayashi Kodenji.
A técnica de fazer esmalte era excepcionalmente cara, requerem enormes investimentos de tempo e esforço. Isso pode explicar o fato de que quando a era Meiji chegou ao fim a maioria dos workshops fechou e logo as habilidades adquiridas através de anos de experiência se perderam.
Uma notável coleção de cerâmica japonesa é representada por célebres vasos e incensores de Satsuma, cuja decoração pintada é notável por sua concisão exquisita. A província de Satsuma, na ilha de Kyushu, que deu o seu nome a toda uma classe de cerâmica, tornou-se um dos principais centros de cerâmica japonesa de tomada de final do século XVI. Os produtos locais de argila de cor clara coberta com um esmalte de creme translúcido com uma rede de craquelure de rachaduras finas rapidamente ganharam reconhecimento em todo o Japão desde os 1600s. Para toda a variedade de métodos de decoração, existem óbvias características técnicas, tecnológicas e estilísticas no acabamento de "Satsuma Ware". A característica mais notável de tal decoração (que representa parte de seu caráter inovador) foi o uso de composições de gênero, às vezes elaboradamente composta cenas multifigas que anteriormente havia sido extremamente raro na decoração de cerâmica e porcelana japonesa. A exposição apresenta peças do Kinkozan, Yabu Meizan e outras oficinas.
A coleção de laca, feita de preciosas variedades de madeira e decorada de uma maneira tradicional para o Extremo Oriente, é representada por objetos típicos para o tempo em questão. Há armários com portas embutidas com madrepérola, tartaruga e caros materiais importados; Caixões embellished com laca do ouro em máscaras diferentes. As composições decorativas tinham temas populares: personagens da literatura, história ou mitologia, vistas topográficas e os templos do Japão, motivos no gênero "flores e pássaros". Pintura de ouro em baixo relevo, às vezes executado com um pincel literalmente tão fino como um único cabelo, e incrustações de lantejoulas de ouro são um testemunho da natureza de trabalho intensivo e caro do trabalho. Vários métodos de acabamento lacquerware pode ser visto na decoração de um gabinete atribuído ao artesão Shibata Zeshin.
É apropriado observar a diferença entre verniz japonês e russo. Na Rússia, como na Europa, a laca ou o verniz eram sempre um material de revestimento, aplicado em uma camada fina na fase final e destinado a fornecer proteção contra fatores ambientais para as tintas a óleo em uma tela, por exemplo, ou a decoração pintada em Palekh Caixas. Nunca foi considerado como um material em si mesmo, possuindo sua própria beleza. Os artesãos japoneses, em contraste, levaram a aplicar verniz em vários casacos, "imergindo" uma imagem em suas profundezas. Como resultado, a decoração adquiriu o efeito óptico do volume.
Os curadores da exposição são Anna Vasilyevna Savelyeva, chefe do setor do Extremo Oriente, e Maria Lvovna Menshikova, pesquisadora sênior do Departamento do Oriente do Hermitage do Estado. O dono da coleção é Zakhar Davidovich Smushkin. Um catálogo ilustrado erudito de quatro volumes foi preparado para a exposição em russo e inglês.
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